Ursprung des Zirkus. Unter der Kuppel: Geschichte der Zirkuskunst
Staatliche Bildungseinrichtung
Höhere Berufsausbildung
STAATLICHES INSTITUT FÜR RUSSISCHE SPRACHE
Ihnen. ALS. PUSCHKIN
Fakultät für Philologie
Abteilung für russische Literatur und interkulturelle Kommunikation
Kursarbeit in Kulturwissenschaften
Zirkuskunst in der Weltunterhaltungskultur
Abgeschlossen von: Student im 2. Jahr
Fakultät für Philologie
K.E. Artjuchowa
Wissenschaftlicher Betreuer: Ph.D. AssistenzprofessorIn. PFUND. Schamschin
Moskau 2011
Einführung
1 Definition von Zirkus
1 Gründe für die Beliebtheit des Zirkus
4 berühmte Zirkusse der Welt
Abschluss
Literaturverzeichnis
Einführung
„Der Zirkus ist die letzte Zuflucht der reinen Kunst.“ Francois Mauriac.
Fantasien und Träume wahr werden zu lassen, ist ein besonderes Talent, das nicht jedem zur Verfügung steht. Zirkus ist die Kunst, Träume wahr werden zu lassen. In der Arena erleben wir, wie ein Märchen aus unserer Kindheit zum Leben erweckt wird. Jeder von uns hat in seiner Kindheit seine Spielzeuge „animiert“, ihnen besondere Fähigkeiten verliehen und mit ihnen gesprochen. Wer von uns hat sich nicht schon einmal vorgestellt, der geschickteste, mutigste und stärkste der Welt zu sein?! Und er beweist uns, dass die wildesten Träume wahr werden können. Zirkus ist ein Wunder, ein Märchen, ein Mysterium! Das sind die überraschten Augen von Erwachsenen und Kindern. „Und ich möchte immer wieder sagen: Liebe den Zirkus und komm öfter in den Zirkus, um zu entspannen und Wunder zu erleben!“ (Chernenko 1968, S. 155) Der Zirkus besteht aus bunten fliegenden Bällen, das sind starke Männer, die Hufeisen biegen. Welche gewaltigen Gewichte heben die Künstler mit ungewöhnlicher Leichtigkeit! Für das Publikum scheint es nur einfach, aber in Wirklichkeit ist es eine riesige, mühsame, viele Stunden dauernde Arbeit, es ist ein hartes Training. Und die ganze Aufführung findet in der Zirkusarena eines ungewöhnlich talentierten Clowns statt, der es geschafft hat, Sie zum Lachen zu bringen. Tränen strömen aus seinen Augen, Seifenblasen fliegen um ihn herum... Ja, der Zirkus ist mutige Sprünge unter der Kuppel, wenn der ganze Saal erstarrt, ist es das heiße Klatschen des Publikums, dann, nach Totenstille, ist es Applaus für einen Akrobat macht einen Salto in der Luft.
Seit jeher locken die Darbietungen von Akrobaten, Jongleuren, Turnern und Clowns Künstler, Bildhauer, Musiker und in jüngerer Zeit auch Filmemacher an und bieten ihnen die Möglichkeit, die Harmonie und Perfektion des menschlichen Körpers darzustellen, die Dynamik seiner Bewegungen zu vermitteln, und enthüllen alle Geheimnisse und Symbolik dieser mysteriösen Kunst.
Die Relevanz dieser Studie liegt darin begründet, dass die Zirkuskunst schon immer gefragt war. Aber heute braucht die Menschheit, versunken in Informationstechnologie, Wirtschaftskrisen und politischen Problemen, mehr denn je etwas Magisches, Übernatürliches und Ungewöhnliches. Und hier kommt der Zirkus zur Rettung. Es ist eine Art „Brücke“ ins Land der Wunder und gehört daher zu den beliebtesten Kunstformen.
Ziel der Arbeit ist also eine detaillierte Untersuchung der Definition des Zirkus, das Studium seiner Geschichte sowie seiner Stellung in der weltweiten Unterhaltungskultur.
Um dieses Ziel zu erreichen, müssen folgende Aufgaben gelöst werden:
)Informationen zum Forschungsthema studieren und systematisieren,
)Vergleichen Sie die Stellung der Zirkuskunst von der Antike bis in unsere Zeit,
)Fassen Sie das untersuchte Material zusammen und ziehen Sie Schlussfolgerungen über die Stellung der Zirkuskunst in der Weltunterhaltungskultur.
Die Arbeit besteht aus einer Einleitung, drei Kapiteln, einem Fazit und einem Verzeichnis der verwendeten Quellen und Literatur. Das erste Kapitel ist der Entstehung und Entwicklung des Zirkus in der Weltunterhaltungskultur gewidmet. Im zweiten Kapitel geht es um moderne Zirkuskunst, die Gründe für die Beliebtheit des Zirkus sowie die besten Zirkusse der Welt, und schließlich zeigt das dritte Kapitel das Interesse anderer moderner Künste am Zirkus.
Kapitel I. Die Entstehung und Entwicklung des Zirkus in der Weltunterhaltungskultur
1 Definition von Zirkus
Zirkusweltkunst aus Kanada
ZIRKUS (vom lateinischen Zirkus, wörtlich „Kreis“) – 1) Eine besondere Art von Kunst, deren wichtigstes Ausdrucksmittel der Trick ist. 2) Eine verallgemeinerte Bezeichnung für alle Arten von Unterhaltungsnummern, Programmen, Aufführungen und Darbietungen, die mittels Zirkusausdruckskraft aufgeführt werden. 3) Eine besondere Unterhaltungsstruktur mit einer kuppelförmigen Überdachung, einer Arena, einem Amphitheater mit Sitzplätzen für Zuschauer.“ (Zirkus-Enzyklopädie.#"justify">Lassen Sie uns diese Definitionen im Detail analysieren. Als Kunstform entwickelte sich der Zirkus auf der Grundlage von Arbeitsabläufen, Volksfesten, Sportarten, hauptsächlich Reitsport, Wettbewerben und den Aktivitäten von Reitschulen. Zirkusvorstellungen basieren auf der Überwindung schwierigster körperlicher Hindernisse sowie auf komischen Techniken, die in den meisten Fällen von Possenreißern und Volkskomödianten übernommen wurden Von Natur aus ist der Zirkus immer exzentrisch. Sein Hauptausdrucksmittel liegt jenseits der gewöhnlichen Logik. Eine Zirkusvorstellung besteht aus Zahlen Jede Nummer zeichnet sich in der Regel durch das ungewöhnliche Verhalten einer Person und eines Tieres aus: Die Darsteller gehen und tanzen auf einem Draht, stehen mit dem Kopf auf dem Kopf ihres Partners und spielen Szenen auf der Rücken eines galoppierenden Pferdes, ein Seelöwe jongliert mit einem Ball, Pferde führen einen Walzer auf. Musikalische Exzentriker spielen die Geige, die sie hinter dem Rücken hält, die Balalaika, mit einem Geigenbogen, einem Besen, einer Säge, Brennholz usw. Ein Zirkusartist schafft ein bestimmtes Image in seinem Genre; Dabei helfen ihm Kostüme, Musik, Beleuchtung, spezielle Ausrüstung und die Organisation des Auftritts durch den Regisseur. Auch thematische Handlungsaufführungen nutzen Tricks, mit deren Hilfe die Handlung aufgebaut und entwickelt wird.
„Das Zirkusgebäude (Zelt) ist ein rundes Zelt mit hoher Kuppel, in dessen Inneren sich eine Arena und Sitzgelegenheiten für Zuschauer befinden, die in einem Amphitheater angeordnet sind.<…>
Auch das stationäre (Haupt-)Zirkusgebäude hat meist eine runde Form. Unabhängig von der Art des Gebäudes (stationär oder mobil) ist die Arena besonders schwierig. Dabei handelt es sich um eine runde Arena-Plattform (vom französischen Manege) mit einem Durchmesser von 13 m in der Mitte des Zirkus, wo die Aufführung stattfindet.“ (Bartin 1988, S. 77) Die runde Form und Standardgröße der Arena, erstmals 1807 im Pariser Zirkus von L. und E. Franconi etabliert, etablierte sich in der ersten Hälfte des Jahres endgültig im Weltzirkus 19. Jahrhundert. Sie wurden durch die Anforderungen der Pferdeakrobatik, der Pferdejonglage und des Pferdetrainings bestimmt: Unter diesen Bedingungen ist es für den Reiter, der auf der Kruppe des Pferdes steht, einfacher, das Gleichgewicht zu halten und Kunststücke auszuführen, und für den Trainer, die an der Kruppe stehenden Pferde zu kontrollieren Barriere mit Hilfe eines Chamberiers. Die etablierte Größe der Zirkusarena ermöglicht es Ihnen, in jedem Zirkus Aufführungen zu geben, jedoch auf einen Umbau zurückgreifen zu müssen. Die Zirkusausrüstung wird an die Größe der Arena angepasst. Die Oberfläche der Arena besteht aus einer eingeebneten Mischung aus weicher Erde, trockenem rotem Ton und Sägemehl. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts begannen einige Zirkusse, die Arena mit langflorigen Kokosnussteppichen zu bedecken. Seit Ende der 50er Jahre wird die Zirkusarena auf Anregung sowjetischer Künstler mit einer dicken Schicht (40-45 mm) aus porösem Gummi überzogen, deren Verwendung aus hygienischen Gründen erfolgt. In den größten modernen Zirkussen sind die Arenen mit einem System von Luken und Tunneln ausgestattet und verfügen über ein Betonbecken mit Wasserfall für Wasserspektakel. Der Arenakreis kann sich drehen und mehrere Meter weit fallen. Ein integraler Bestandteil der Arena – eine Barriere – eine erhöhte Plattform um die Arena herum, 50–60 cm hoch und 40–50 cm breit, verfügt über zwei Eingänge mit Schiebetüren: Einer, der sogenannte künstlerische, befindet sich vor der Hinterbühne Teil, durch den die Darsteller die Arena betreten, der zweite hingegen am Haupteingang des Zuschauerraums. Die Barriere wird dauerhaft hergestellt (oft auf einem Stahlbetonsockel). Daran sind mehrere Zirkusgeräte befestigt. Während der Aufführung ist die Absperrung mit einem Teppich bedeckt; Es wird oft als Bühnenpodest, Podest oder Erhebung für den Aufbau ausdrucksstarker Inszenierungen und zur Demonstration individueller Tricks von Künstlern und dressierten Tieren verwendet. Die Oberfläche der Arena nimmt zur Barriere hin leicht zu.
Kuppel (von italienisch cupola – Gewölbe) ist ein konvexes Dach eines Zirkusgebäudes in Form einer Halbkugel mit einer Metall-, Holz-, Beton- oder Planenabdeckung. In einem Abstand von mindestens 1,9 m von der Kuppelspitze und in einer Höhe von 18 m über dem Niveau der Arena sind Roststäbe (spezielle Gitterrostböden) angebracht, auf denen Hebemechanismen, Luken und andere Produktions- und technische Geräte zum Einsatz kommen zum Aufhängen von Zirkusgeräten sind installiert.
Zirkus-Requisiten (Doppelfalle, Rollen, Schaukeln, Einrad, Sitzstange usw.) bestehen in der Regel aus langlebigem Metall, meist aus Titan, da es eine hohe Dauerfestigkeit, Leichtigkeit und unvergleichliche Farbe, insbesondere im Licht der mehrfarbigen Scheinwerfer, garantiert .
2 Geschichte der Entstehung und Entwicklung des Zirkus. Der erste Zirkus der Welt
Der Zirkus ist bei allen so beliebt, mit ihm sind so viele Legenden und Magie verbunden, dass man kaum glauben kann, dass es ihn nicht schon immer gegeben hat. Aber es ist immer noch wahr.
Die ersten Zirkusse waren völlig anders als die, die wir alle kennen. Sie existierten im antiken Rom und gaben Auftritte in einer kleinen Arena namens „Großer Zirkus“ (lateinisch Circus Maximus). Das Wort Circus bedeutet „jeder Ring“ (lateinisch omnis ambitus vel gyrus), jede Figur ohne Ecken. Daher wurde der Ort, an dem in Italien nach griechischem Vorbild Pferderennen ausgetragen wurden und der in den meisten Fällen ein langgestrecktes Tal zwischen zwei Hügeln war, nach diesem Namen benannt, der sich nicht auf den Zweck des Ortes stützte, wie in Griechenland (siehe Hippodrom). ), sondern von seinen häufigsten Formen. Im Laufe der Zeit wurden nach dem Vorbild griechischer Hippodrome Bereiche für Pferderennen errichtet und es entstanden italienische Amphitheater, Plätze für Zuschauer, ein Start usw.; aber selbst zu einer Zeit, als der architektonische Typ des Zirkus vollständig entwickelt war, mussten sich einige Orte mit einem mehr oder weniger angepassten Bereich mit provisorischen Sitzplätzen für Zuschauer begnügen.
„Unter den ersten Königen war das Marsfeld der Ort der Zirkusvorstellungen; Dann, so heißt es in der Legende, baute Lucius Tarquinius Priscus mit der Beute aus dem Krieg mit den Lateinern im Tal zwischen den Hügeln Palatin und Aventin eine besondere Burg, die später als „Circus Maximus“ bekannt wurde. Tarquinius der Stolze veränderte den Standort dieses Bauwerks etwas und erhöhte die Anzahl der Zuschauerplätze darin, Julius Cäsar erweiterte es erheblich und Nero baute nach dem berühmten Brand, der Rom verwüstete, den Großen Zirkus erneut mit größerem Luxus als zuvor; Trajan und Domitian verbesserten es noch mehr, und sogar Konstantin und sein Sohn Constantius kümmerten sich um die Dekoration. Die letzten Rennen dort fanden im Jahr 549 statt.“<…>(Kuznetsov. E. 1971, S. 125) Somit existierte es sechs Jahrhunderte lang und seine Geschichte ist eng mit der Geschichte Roms und des Römischen Reiches verbunden. In Rom gab es neben dem „Großen Zirkus“ noch drei weitere: erbaut im Jahr 220 v. Chr. e. Westlich des Kapitols befindet sich der Zirkus des Flaminius, in dem Augustus dem Volk inmitten einer mit Wasser gefüllten Arena einst eine Krokodiljagd vorführte. Der Zirkus von Nero (auch Zirkus von Caligula und Vatikan genannt) begann unter Caligula mit dem Bau, wurde von Nero fertiggestellt und ist in der Geschichte vor allem als Ort grausamer Folter bekannt, der der zweite der genannten Kaiser Christen unterwarf; Der Zirkus von Caracalla wurde jedoch nicht unter ihm, sondern ein Jahrhundert später unter Romulus, dem Sohn des Maxentius, erbaut und ist für Archäologen insofern wichtig, als seine bedeutenden Ruinen hinter dem ehemaligen Capena-Tor (hinter der heutigen Porta San Sebastiano) liegen Es ist möglich, die Struktur römischer Zirkusse zu studieren. Aber die Überreste eines Zirkus, der 1823 in der Gegend des antiken Boville, einer kleinen Stadt am Fuße des Alban-Gebirges an der Via Appia, entdeckt wurde, können diesem Zweck noch besser dienen. Dieser Zirkus ist nicht groß, aber er ist ein typisches Beispiel römischer Zirkusse und relativ gut erhalten.
Die fast vollständige Zerstörung des Zirkus erklärt sich sowohl aus der Tatsache, dass die Sitzquadrate ein hervorragendes Baumaterial darstellten, als auch aus der Tatsache, dass nur ein kleinerer Teil des Zirkus aus Stein bestand. Dennoch können wir uns auch in diesem Zustand der Zerstörung eine Vorstellung sowohl vom Plan des Zirkus als auch von seiner Innenausstattung machen – ersteres sowohl auf der Grundlage von Ausgrabungen als auch insbesondere auf der Grundlage des berühmten Severovsky-Plans von Rom, von dem ein Stück erhalten ist, das den südlichen Teil darstellt. Anhand dieses Fragments und der Größe des Tals lässt sich die ungefähre Größe des Zirkus berechnen. Die Länge des Gebäudes beträgt 635 m, die Breite. 150 m, Arenalänge 590 m, Breite. 80 m. Das Hauptspektakel, das die Menschen in den Zirkus lockte, waren Wagenrennen (neben ihnen werden auch Rennen, athletische Kämpfe, Tierkämpfe und Übungen zu Pferd erwähnt). Ursprünglich waren diese Rennen fester Bestandteil der religiösen und politischen Feierlichkeiten, die die Rückkehr der Armee vom Feldzug begleiteten, was sich als Relikt im Pomp widerspiegelt, mit dem Wagenwettbewerbe eingeführt wurden. Diese Pompa hatte den Charakter eines Triumphs mit religiöser Prägung. Sie ging feierlich vom Kapitol durch das Forum und den Viehmarkt und betrat das Südtor des Zirkus. An der Spitze ging oder ritt (wenn es sich um einen Prätor oder Konsul handelte) der Magistrat, der die Spiele gab, in triumphaler Kleidung (einer mit Gold bestickten Toga und einer mit darauf aufgestickten Palmen verzierten Tunika) und hielt ein Zepter in der Hand verziert mit einem Adler; Hinter ihm stand oder ging ein Beamter, der ihn mit einer goldenen Eichenkrone krönte. Vor uns dröhnte Musik, und der Richter war von seinen Kindern, Freunden und Klienten umgeben. Hinter ihm trugen und trugen sie Statuen von Göttern und später von vergötterten Kaisern, beginnend mit Julius Cäsar. Nach diesem sehr langen und sehr pedantischen Einführungsakt begannen die Spiele. Gleichzeitig öffneten sich die Tore und normalerweise flogen vier, manchmal mehr (6, 8, 12, abhängig von der Anzahl der Parteien und Streitwagen jeder Partei) Streitwagen, paarweise oder häufiger zu viert, in die Arena. „Der Lauf begann rechts von der Markierung und endete an einer Stelle auf der gegenüberliegenden Seite, markiert durch eine weiße Linie, nachdem er sieben Mal um die Spina gelaufen war. Die Anzahl der Rassen war nicht immer gleich: Sie begann mit 10 oder 12, aber je weiter, desto mehr stieg ihre Zahl, und in der Kaiserzeit erreichte sie 24 oder sogar 36, die den ganzen Tag von morgens bis abends ausfüllten.<…>Jedes Rennen dauerte nicht länger als eine Viertelstunde. Während des Rennens nutzten die Fahrer alle möglichen Mittel, um den ersten Preis zu ergattern – Mittel, die zur Entwicklung eines speziellen technischen Rennjargons führten, auf dem Inschriften zu Ehren oder zum Gedenken an die Fahrer geschrieben wurden.“ (Dominique Jeandot 1984, S. 30) Besonders gefährlich war das Umgehen der Markierungen, an denen jeder versuchte, in der Nähe zu bleiben; Alles hing von der Ausdauer und Beweglichkeit des ganz linken Pferdes ab. Unfälle kamen recht häufig vor; ein leichtes, hinten offenes Zweirad war mit der Kraft und Geschwindigkeit von vier Pferden leicht zu brechen; Fast alle Bilder von Pferderennen zeigen in einem bestimmten Muster, dass von vier konkurrierenden Streitwagen einer kaputt ist. Der Preis bestand aus einem Kranz und einer bestimmten Geldsumme; Es wurden sowohl der zweite als auch der dritte Preis vergeben.
Nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches verlor der Zirkus nach und nach seine Bedeutung als Hauptort der Volksunterhaltung. Der Enkel von Chlodwig I., Chilperich I., König der Franken, baute Zirkusse in Paris und Soissons, in denen dem Volk verschiedene Aufführungen geboten wurden. Letztere waren jedoch nicht besonders erfolgreich, weshalb die Zirkusse bald aufgegeben und aufgelöst wurden. Mysterienspiele und Theateraufführungen, die im Mittelalter eine bedeutende Entwicklung erlebten, untergruben die Bedeutung des Zirkus als öffentliche Unterhaltung völlig. Aus dem 12. Jahrhundert In Europa entstanden Reitschulen, die Reiter ausbildeten, aber auch Pferde für Militäreinsätze und Turniere ausbildeten. In diesen Schulen fanden Vorführungen statt, die nach und nach auf Stadtplätze verlegt wurden (wo unter Berücksichtigung der Besonderheiten der Arbeit mit Pferden spezielle Rundarenen errichtet wurden). Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts. In Europa wurden viele Meister des Pferdetrainings und des Figurenreitens berühmt, vor allem englische: S. Price, Johnson, Wiir, Samson usw. Zu ihren Truppen gehörten oft Seiltänzer, Akrobaten und Clowns. Im Jahr 1772 gründete der englische Unternehmer F. Astley gründete in London eine Reitschule, 1780 baute er die sogenannte. Astley Amphitheatre für Vorführungen von Reiten und Reittraining. Auch Clowns, Hundetrainer und Akrobaten traten hier auf und es wurden Märchenstücke aufgeführt, die auch Kampfszenen mit Reitern beinhalteten. Das Astley Amphitheatre ist der weltweit erste stationäre Zirkus im modernen Sinne.
„Der Zirkus moderner Art entstand erstmals Ende des 18. Jahrhunderts in Frankreich. Seine Schöpfer waren zwei englische Reiter, Astleys Vater und Sohn. 1774 bauten sie in Paris am Rande des Tempels eine runde Halle, die sie Zirkus nannten, und begannen hier Aufführungen zu geben, die aus verschiedenen Reit- und Akrobatikübungen bestanden.<…>Die Nachfolger der Astleys, die Italiener Franconi, bauten bald einen neuen Zirkus für 2.700 Personen. Sie führten auch Pantomimen in das Aufführungsprogramm ein, ebenso wie den Kampf wilder Tiere untereinander und mit Hunden. Von Paris aus verbreiteten sich Zirkusvorstellungen bald in ganz Europa.“ (Dominique Jeandot 1984, S.128)
E. Renz eröffnete 1851 in Düsseldorf und 1856 in Berlin einen stationären Zirkus. Ohne dabei auf die Reitvorführungen zu verzichten, stellte er Vertreter anderer Genres vor, die es zuvor auf Messeständen gegeben hatte. Hier entstand das Bild des Roten Clowns, eine Art Parodie auf einen Stadtbewohner, hauptsächlich Kleinbürger.
Viele zentrale Persönlichkeiten folgten dem Weg von Renz – die Deutschen A. Schumann, E. Wulf, die Italiener G. Ciniselli, A. Salamonsky und andere.
Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Ausweitung der Zirkusgattungen ging weiter. Im Jahr 1859 demonstrierte der französische Athlet J. Leotard erstmals den Luftflug, der später zu einer der romantischsten Arten der Zirkuskunst wurde. Diese Zahl erforderte einen weiteren Umbau der Zirkusgebäude – den Bau einer Kugelkuppel, auf deren Rost Hebemechanismen und andere technische Geräte angebracht waren.
Im Jahr 1873 eröffnete der amerikanische Unternehmer T. Barnum einen großen Wanderzirkus („Supercircus“), bei dem die Aufführung gleichzeitig in drei Arenen stattfand. Barnum kombinierte den Zirkus mit einem Panoptikum und verschiedenen Attraktionen. 1886 wurde in Paris der Neue Zirkus gebaut, dessen Arena innerhalb weniger Minuten mit Wasser gefüllt war. Im Jahr 1887 eröffnete K. Hagenbeck, der größte Tierhändler und Besitzer eines Zoos in Hamburg, den sogenannten. Zoo-Zirkus Hier handelte es sich bei den meisten Aufführungen um Tiere, darunter auch Raubtiere. Die Nummern der Trainer erfreuten sich schnell großer Beliebtheit.
Ende des 19. Jahrhunderts gekennzeichnet durch einen Appell an den Sport (der auch die Grenzen der Zirkusgenres erweiterte) – Auftritte von Kraftmännern, Turnern an Ringen und Reckstangen, Jockeys, Jongleuren, Fahrrad-Eiskunstläufern und Rollschuhläufern. 1904 fand im St. Petersburger Ciniselli-Zirkus die erste Ringer-Weltmeisterschaft statt. Originale Darbietungen und ganze Genres wurden von japanischen, chinesischen, persischen und arabischen Künstlern in die Zirkusarena gebracht.
Aus dem Ende des 19. Jahrhunderts. Der bürgerliche Zirkus befand sich in einer kreativen Krise. Einige Zahlen zeichneten sich durch Unhöflichkeit, Vulgarität und oft offensichtliche Grausamkeit aus (zum Beispiel das sogenannte wilde Training). Pseudopatriotische Kriegspantomimen lobten die imperialistische Expansion. Clowns hatten ihren satirischen Schwerpunkt weitgehend verloren, basierten auf groben Witzen und Tricks, Zirkusse verloren Zuschauer und richteten sich größtenteils an Kinder. Dieser Prozess setzte sich bis ins 20. Jahrhundert fort. Auch in den 70ern. In den USA gibt es keine stationären Zirkusse; in Lateinamerika, Afrika oder Australien gibt es keine. In Westeuropa gibt es 5-6 stationäre Zirkusse, es gibt keine systematische Ausbildung von Zirkusartisten und es gibt keine speziellen Bildungseinrichtungen. Nach dem 2. Weltkrieg erlebte die Zirkuskunst der sozialistischen Länder eine bedeutende Entwicklung, Stationen wurden gebaut und sind es auch wird in Ungarn, der Mongolei, Rumänien, Bulgarien und der DVRK gebaut; In der Tschechoslowakei, der Deutschen Demokratischen Republik und Jugoslawien gibt es große Wanderzirkusgruppen. Auch in der DDR, Ungarn und Bulgarien gibt es Schulen und Ateliers für Zirkuskunst.
3 Zirkuskunst in Russland
1877 eröffnete Ciniselli ein Krankenhaus in St. Petersburg, 1880 Salomonsky – in Moskau; Die Brüder D. A., A. A. und P. A. Nikitin gründeten 1886 und 1911 Krankenhäuser in Moskau. 1903 baute P. S. Krutikov in Kiew einen Zirkus.
In russischen Zirkussen erfreuten sich satirische journalistische Clownerie trotz des brutalen Polizeiregimes besonderer Beliebtheit und stellten ihre Koryphäen vor: V. L. und A. L. Durovs, Bim-Bom (I. S. Radunsky und M. A. Stanevsky), S. . S. und D. S. Alperov. Weltruhm erlangt: Reiter – P. I. Orlov, V. T. Sobolevsky, N. L. Sychev, Seiltänzer F. F. Molodtsov, Ringer und Sportler – I. M. Zaikin, I. V. Lebedev (Onkel Wanja), I. M. Poddubny und andere „Der sowjetische multinationale Zirkus hat alles Beste geerbt, was war wurde vor der Oktoberrevolution 1917 in Russland gegründet und erzielte große kreative und organisatorische Erfolge.“ (Kusnezow 1947, S. 150) In der Praxis wurde die Idee von Lenins Dekret zur Vereinheitlichung des Theaterbetriebs und der demokratischen Ausrichtung der Zirkuskunst verwirklicht. Das Wichtigste im aktualisierten Zirkus war die Zurschaustellung der körperlichen Schönheit eines Menschen , stark im Körper und mutig im Geiste. Für die Leitung des Zirkus wurde eine einheitliche staatliche Verwaltung geschaffen. 1926 wurde die Zirkuskunstwerkstatt eröffnet (seit 1961 die Staatliche Schule für Zirkus- und Varietékunst, GUTSEI), die mit der Ausbildung qualifizierter Künstler verschiedener Genres begann. Ab Mitte 30. die größten Zirkusse erhielten künstlerische Leiter. An der Arbeit im Zirkus waren berühmte Schriftsteller, Künstler und Komponisten beteiligt. Die Art thematischer Aufführungen – Pantomimen, die sich historischen und revolutionären Themen und der Moderne widmen – entwickelte sich: „Moskau brennt“ (1930), „Unsere Drei“ (1942), „Karneval in Kuba“ (1962) und viele andere.
Während des Großen Vaterländischen Krieges erlitt die Kunst des sowjetischen Zirkus erheblichen Schaden. Viele Zirkusgebäude sowie Requisiten und Ausrüstung wurden durch feindliche Bombenangriffe und Brände zerstört. Abgerichtete Tiere starben. Die Künstler gingen an die Front, die Auftritte und Attraktionen lösten sich auf. Die Hauptdirektion für Zirkusse wurde zusammen mit dem All-Union-Komitee für Kunst nach Tomsk evakuiert.
In den schwierigen Jahren des Großen Vaterländischen Krieges sorgte Stalin dafür, dass der sowjetische Zirkus unterstützt wurde und die Tiere darin nicht verhungerten.
Seit den ersten Tagen des Großen Vaterländischen Krieges (1941-1945) traten Zirkusartisten an Mobilisierungspunkten, auf Bahnhöfen vor der Abfahrt von Frontzügen und in Krankenhäusern auf.
1941, am Jahrestag der Oktoberrevolution, schickte der Moskauer Zirkus eine große Gruppe von Künstlern an die Front in die Gebiete Moschaisk und Wolokolamsk.
„Vor der Öffentlichkeit setzte Pencil eine halb Mensch, halb Hundemaske auf sein Gesicht, platzierte einen gusseisernen Kessel auf seinem Kopf und bewaffnete sich mit einer Axt, einem Messer und einer Keule. Er suchte etwas in der Ferne, setzte sich in den „Panzer“ und rief „Nah Moskau!“ und rollte vorwärts. Der „Panzer“ war ein großes, auf einer Plattform montiertes Fass, dessen Räder so dekoriert waren, dass sie an Panzerketten erinnerten. Die Kiste mit den Baumstämmen zeigte den Turm des Panzers. Auf der vorderen Unterseite des Fasses war ein Totenkopf mit gekreuzten Knochen aufgemalt. Explosion! Ein in Lumpen gekleideter Hitlerist steht staunend auf einem Bein in der Arena. Dann bindet er sich einen Schal um den Kopf, greift nach einer „umgedrehten“ Krücke und rennt auf einem Bein hinter die Bühne ...“ (Slavsky 1975, S. 90)
Unter der Leitung von E. Gershuni wurde im Leningrader Haus der Roten Armee eine spezielle Zirkusgruppe gebildet (Premiere am 23. Februar 1943). Er trat sowohl an der Leningrader Front als auch in der Stadt selbst auf. Die Sendung wurde mit einem journalistischen Prolog „Die faschistische Menagerie“ eröffnet. Die scharf satirische Konferenz wurde von K. Guzynin und dem Clown Pavel Alekseevich durchgeführt. Die Aufführung fand vor dem Hintergrund einer eigenartigen Struktur statt, die ein Zirkusamphitheater darstellt.
November 1943 Der Ischewsker Zirkus öffnete trotz des Krieges seine Pforten und die ersten Zuschauer des neuen Zirkus mit 1800 Sitzplätzen waren verwundete Soldaten.
Im November 1944 wurde die 64. Saison des Leningrader Zirkus eröffnet. Der Große Vaterländische Krieg unterbrach die kreative Tätigkeit des Zirkus für 4 Jahre.
Im Mai 1945 traten sowjetische Zirkusartisten für die Befreiungssoldaten auf der Treppe des gefallenen Reichstags auf.
Der sowjetische Zirkus brachte eine Galaxie herausragender Künstler hervor, die auf der ganzen Welt bekannt sind: die Dynastie der Clowntrainer Durov, die Clowns V. E. und V. V. Lazarenko, Pencil (M. N. Rumyantsev), Yu. V. Nikulin, O. K. Popov, L. G. Engibarov, die Clowns V. Zh. Truzzi, E. M. Efimov, N. P. Gladilshchikov, B. A. Eder I. N. Bugrimova, A. N. und A. A. Kornilov, V. I . Filatov, V. M. Zapashny und andere, Illusionisten E. T. Kio I. K. Simvolokov. Eine bedeutende Rolle bei der Entstehung des sowjetischen Zirkus spielten: Regisseure – V. Zh. Truzzi, B. A. Shakhet, G. S. Venetsianov, Künstler – S. T. Konenkov B. R. Erdman, V. A. Khodasevich, A. A Sudakevich, T. G. Bruni, V. F. Ryndin, L. A. Okun, Komponisten - I. O Dunaevsky, M. I. Blanter, Z. L. Kompaneets, Yu. S. Meitus, Yu. S. Milyutin und andere. Das Gesicht des modernen sowjetischen Zirkus wird von den Regisseuren M. S. Mestechkin, E. M. Ziskind, A. I. Volny, Z. B. Krasnyansky, A. N. Shirai, A. A. Sonin. Bedeutende Beiträge zur Theorie und Geschichte der Zirkuskunst wurden von E. M. Kuznetsov, Yu. A. Dmitriev und anderen geleistet. Das Leningrader Museum für Zirkuskunst ist seit 1928 in Betrieb.
Einer der Künstler des sowjetischen Zirkus, N. Elshevsky, spricht auf einzigartige Weise über die Zirkuskunst: „Der sowjetische Zirkus hat die Grenzen unseres Vaterlandes überschritten. Die ganze Welt begann, über den sowjetischen Zirkus als den besten Zirkus zu sprechen Es wäre falsch, diesen Erfolg allein mit dem professionellen Können der Künstler des sowjetischen Zirkus in seiner Stuntarbeit zu erklären.“ Ideologie, in der Tatsache, dass der sowjetische Zirkuskünstler als Persönlichkeit des öffentlichen Lebens in seiner Kunst bestimmte gesellschaftlich bedeutsame Ideen trägt, letztendlich die Ideen des Kommunismus. In seiner Arbeit basiert der sowjetische Zirkuskünstler auf den realen Lebensmerkmalen der sowjetischen Person , verherrlicht die hohen moralischen und ethischen Ideen der neuen Gesellschaft. Und dies ist der höchste Ausdruck der Nationalität des sowjetischen Zirkus, denn das Konzept der Nationalität basiert auf dem fortgeschrittenen ideologischen Charakter der sowjetischen Zirkuskunst.
Fazit: In diesem Kapitel haben wir gezeigt, dass die Zirkuskunst ihren Ursprung in der Antike hat und sich über viele Jahrhunderte hinweg in vielen Ländern der Welt (Frankreich, England, Deutschland, Italien, Russland) aktiv weiterentwickelte. Wir betonten auch die Einzigartigkeit des sowjetischen Zirkus, der eine starke ideologische Ausrichtung und Patriotismus in sich trägt.
Kapitel II. Zeitgenössische Zirkuskunst
1 Gründe für die Beliebtheit des Zirkus
Die Entstehung und Entwicklung der Zirkuskunst ist untrennbar mit der allgemeinen Zivilisationsgeschichte verbunden und fest in deren Kontext verankert. Der Ursprung des Zirkus ist mit Ritualen, Spielen, mit den Besonderheiten des Alltags- und Lebensstils der Menschen sowie mit der Entstehung neuer Handwerke und Berufe und sogar mit den Grundlagen der Werbung verbunden.
So entwickelte sich die Pantomime aus den rituellen Riten der Urgesellschaft, die eine erfolgreiche Jagd gewährleisten sollten. Der Bauchredner (der sogenannte „Engustrimismus“ oder „Ventrologie“) geht auf das Ritual zurück, bei dem Schamanen eine Kulthandlung durchführen.
Zähmer führen ihre Abstammung auf Gladiatoren zurück, die in der Arena gegen wilde Tiere kämpften, sowie auf die ersten christlichen Märtyrer, die im antiken Rom öffentlich von Löwen und Tigern in Stücke gerissen werden sollten.
Der Pferdezirkus geht auf antike Wagenrennen und Pferderennen zurück, die die beliebteste Unterhaltung der alten Römer waren; später, ab dem 16. Jahrhundert. Die Entwicklung des Pferdezirkus wurde durch zahlreiche Reitschulen erleichtert, verbunden mit der Notwendigkeit einer speziellen Ausbildung der an Pferdeschlachten teilnehmenden Reiter. Aber auch eine andere Art von Pferdezirkus, das Reiten, tauchte auf und gewann unter den Nomadenvölkern des Ostens an Bedeutung, da damit völlig andere Reitfähigkeiten verbunden sind.
Die Kunst des Seiltanzens entstand bei Handwerkern, die sich mit der Seilweberei beschäftigten: Um die Stärke ihres Produkts zu demonstrieren, gingen und sprangen Handwerker auf einem zwischen zwei Stützen gespannten Seil.
Die Taten von Fakiren und Manipulatoren sind seit der Antike bekannt und haben ihren Ursprung in Kultritualen, doch die Entstehung der Zirkusillusion führte zu einer viel späteren Entwicklung technischer Fähigkeiten: zunächst die Erfindung von Amalgam und das Aufkommen von Spiegeln, später elektrische Beleuchtung und verschiedene komplexe Mechanismen.
Verbesserungen der technischen Techniken haben auch zur Entwicklung des Extravaganz-Genres geführt, bei dem die Arena mit Wasser oder Eis statt mit traditionellem Sand gefüllt wird. Verschiedene Genres wurden zu unterschiedlichen Zeiten geboren und verstärkt, und mit ihnen wurden die Hauptprioritäten des Publikums geboren und verändert. Der Zirkus als Ganzes war jedoch schon immer die demokratischste Kunstform, da er sich bei nahezu allen Alters- und Gesellschaftsschichten der Zuschauer enormer Beliebtheit erfreute. Die Gründe hierfür sind äußerst komplex und vielfältig.
Erstens ist die Popularität der Zirkuskunst mit der Sehnsucht des Menschen nach Perfektion, nach einem Wunder, nach einem Traum verbunden, der über das gewöhnliche Leben hinausführt und neue Möglichkeiten eröffnet. Zirkusartisten demonstrieren Stärke, Geschicklichkeit und Mut, die für den Durchschnittszuschauer unzugänglich sind. Sie jonglieren mit Gewichten und heben enorme Gewichte („Kraftakrobaten“); zeigen außergewöhnliche Flexibilität („Gummi“); Feuer schlucken oder Schlangen trainieren („Fakire“); durch die Luft fliegen („Aerialisten“); sie jonglieren mit einer Vielzahl von Gegenständen, darunter auch Beinen („ikarische Spiele“); Finden Sie eine gemeinsame Sprache mit Haustieren („Trainer“) oder kommen Sie in direkten Kontakt mit Wildtieren („Dompteure“). Herausragende Features wecken beim Betrachter Bewunderung und machen stolz.
Der zweite Grund für die Beliebtheit des Zirkus beruht auf niederen Gefühlen: dem Wunsch, „die Nerven zu kitzeln“, die Gefahr zu spüren, die auf den Zirkusartisten wartet; über die unbewusst empfundene Möglichkeit, Zeuge eines Unfalls zu werden. Dies ist zweifellos ein Überbleibsel der naiv grausamen Ansichten des primitiven Systems und der heidnischen Bräuche der Antike. Die klassische Forderung des römischen Mobs: „Brot und Spiele!“ (Lateinisch „Panemet circenses“) bedeutet wörtlich übersetzt „Brot- und Zirkusspiele“ und wird direkt mit blutigen Gladiatorenkämpfen und der Hetze wilder Tiere in Verbindung gebracht. Mit der Verbreitung des Christentums und der Bildung der Prinzipien der modernen Ethik gelangten solche Ansichten natürlich in die Kategorie „gesellschaftlich missbilligt“. Allerdings macht sich die Zirkuskunst bis zu einem gewissen Grad auch heute noch ein solches archaisches Gefühl zunutze. Nicht umsonst gibt es in der Sprache einen stabilen Ausdruck „tödliche Tat“, der aus alten Werbungen für Zirkusvorstellungen stammt; und der Stolz vieler Luftturner ist heute das Arbeiten „ohne Versicherung“ – ein gespanntes Netz oder das sogenannte. „Longee“ (ein am Gürtel des Turners befestigtes Sicherheitsseil).
Der dritte, nicht minder wichtige Grund für die Popularität der Zirkuskunst liegt in der Aktualität ihrer einzelnen Genres, insbesondere der Clownerie. „Narr“, „Gaer“, „Clown“, „Narr“ – das sind tatsächlich Synonyme für das Wort „Clown“. Obwohl die offiziell anerkannte Hauptfunktion einer solchen Figur darin bestand, das Publikum zu unterhalten, maßten sich Narren traditionell das Recht an, über die komplexesten und dringendsten Probleme unserer Zeit zu sprechen. Gleichzeitig hatten sie die Möglichkeit, nahezu jede Bevölkerungsgruppe anzusprechen: von Cäsaren (Hofnarren) bis zu den untersten sozialen Schichten (reisende Komödianten). Unter Bedingungen strenger Zensur (sei es während der Inquisition oder der Diktatur) war dies die einzige Möglichkeit, die Wahrheit zu sagen. Natürlich war der Beruf eines Narren mit Lebensgefahr verbunden; Die übertrieben naive Art, aktuelle Informationen zu präsentieren, gab dem Clown jedoch große Chancen, am Leben zu bleiben.
2 Die Stellung des Zirkus im Leben der Menschen von heute
Zu den Schwierigkeiten, die die kulturelle Entwicklung der Menschen am meisten erschweren, gehören materielle Schwierigkeiten. Der Kreis der Menschen, denen alle Vorteile der Kultur zur Verfügung stehen, beträgt praktisch nicht mehr als ein Zehntel der Weltbevölkerung. Was bestimmt heute die soziale Stellung und das Ansehen eines Menschen in der Gesellschaft? Eine Umfrage, die wir in einem der sozialen Netzwerke (Facebook) durchgeführt haben, ergab, dass 48,9 % der Befragten glauben, dass es sich dabei um den Besitz materieller Vermögenswerte handelt, 38,5 % glauben, dass es sich dabei um den Besitz von Macht handelt. Erfolge in Bildung und beruflicher Tätigkeit – 16,2 %, allgemeines Kulturniveau – 8,8 %. Dies hat zur Folge, dass die Mehrheit der Menschen – bis zu 80,2 % – kulturelle Einrichtungen überhaupt nicht besucht.
Gemessen am Zustand der Kultur in der Welt, einschließlich ihrer Nachfrage in der Bevölkerung, ästhetischen Erwartungen und Vorlieben, leben wir praktisch in einem Zustand nach dem „Ende der Welt“. Begriffe, die in den Kommentaren von Spezialisten zur Umfrage fast ständig zu finden sind, sind „moralische Krise“, „kulturelle Katastrophe“, „spiritueller Zusammenbruch“ von Menschen mit höherer und weiterführender Fachausbildung, Bewohnern von Hauptstädten , regionale oder regionale Zentren, Vertreter der Altersgruppen von 18 bis 49 Jahren, Wirtschafts- und Finanzarbeiter, Beamte, Arbeitnehmer im Dienstleistungssektor, Unternehmer, Studenten.
Angesichts der Überlastung und des harten Wettbewerbs in der „Unterhaltungsnische“ stellt sich die Frage mit besonderer Dringlichkeit: Wie und vor allem wie lockt man Zuschauer in den Zirkus?!
Es ist klar, dass der Zirkus der Neuzeit modern und vielfältig sein oder zumindest so aussehen sollte. Der Punkt ist jedoch, dass die Entwicklungsgeschichte der wichtigsten Zirkusgenres keinen zwingenden Grund zu der Annahme gibt, dass bald grundlegende Neuheiten auf der Bühne erscheinen werden.
Erstens, weil die „Schatzkammer der Innovationen“ in einer so alten Kunst wie dem Zirkus nicht bodenlos ist. Es sei denn natürlich, Sie hoffen auf ein Wunder.
Und zweitens kommt es im Zirkus grundsätzlich äußerst selten vor, dass etwas völlig Neues auftaucht. Was wir normalerweise als „neu“ betrachten, ist eine Rekombination, eine Neuanordnung bekannter Begriffe, die bereits im „Mosaik“ enthalten sind. Das „Mosaik“ selbst ändert sich äußerst selten! Wir modifizieren einfach die Komponenten, ordnen sie neu an, kombinieren sie und... wir erhalten, wie es scheint, ein neues „Bild“. Tatsächlich erhalten wir eine neue Qualität der Synthese – auf einem höheren Niveau!
Im letzten halben Jahrhundert kam es vielleicht nur dreimal zu innovativen Durchbrüchen. Es entstanden neue Genres (genau genommen Subgenres) – „Russian Stick“, „Illusion“, „Extravaganza“.
Somit kann das Erscheinen des „Neuen“ in der Arena als eine besondere Art der Modernisierung dessen angesehen werden, was bereits erreicht, bekannt oder völlig vergessen wurde. Der Trost kann sein, dass der Weg, sozusagen „Attraktionen neu zu installieren“, im Zirkus wirklich endlos ist. Über das Publikum kann man sagen: Was Spektakel und Unterhaltung angeht, waren sie rein und naiv „sowjetisch“. , unkompliziert und spontan. Über die Künstler: Sie waren auf ihrem Höhepunkt herausragende Meister mit unglaublichem Temperament, erstaunlicher Energie und der Fähigkeit, das Publikum mit der unglaublichen Kraft der Individualität zu fesseln. „Das waren, wie man heute sagt, charismatische Persönlichkeiten, wahre Aristokraten an Körper und Geist! Ganz zu schweigen von höchster Professionalität.<…>Die inhaltlich einzigartige und formal unnachahmliche Kombination „Zeit-Zuschauer-Künstler“ ist leider zu Ende. Egal wie bitter es ist, dies zuzugeben. Die nächsten Generationen von Künstlern wissen von ihren Vorgängern, einige erinnern sich an die Details, im schlimmsten Fall haben sie irgendwo gehört, etwas gelesen und... nun ja, sie geben sich sehr viel Mühe.<…>Aber um ehrlich zu sein, sind sie irgendwie „klein“, bedächtig, übermäßig selbstbewusst, grundlos ehrgeizig ... Ihr gesamter innerer und äußerer „Aristokratismus“ ist erfunden, künstlich, stilisiert, operettenhaft. Sie sind, wenn man so will, größtenteils „Mischlinge“. Wie sie sagen, klopfen sie, aber vorerst an einer anderen Tür.“ (Slavsky 2002, S. 80)
Das moderne, fortgeschrittene Publikum ist über alle Maßen informiert, oder besser noch, verwöhnt von den anspruchsvollen Brillen der neuesten Beispiele. „Ein solcher“ Zuschauer muss auch in der Lage sein, eine gekonnt vorbereitete „Rolle“ in den Zirkus zu „locken“. Die Frage ist, wer diesen „Kalach“ backt und wie?
Es ist kaum möglich, ernsthaft über die Entwicklung des Zirkus in einem soziokulturellen Raum zu sprechen, in dem die Formel der direkt proportionalen Abhängigkeit herrscht: - Preis gleich Qualität! Gleichzeitig bleibt paradoxerweise die archaische paternalistische Psychologie bestehen – der Staat wartet mit wahrhaft mystischer Angst auf Manna vom Himmel – die nächste Portion Haushaltsspritzen. Wir müssen aufhören, uns selbst etwas vorzumachen. Die staatlichen „Krümel“, die dem Zirkus zugeteilt werden, reichen kaum aus, um über die Runden zu kommen! Wenn wir es natürlich ernst meinen mit Innovation und Entwicklung. Marketing ist zur wichtigsten treibenden Kraft bei der Förderung kultureller Produkte auf dem Unterhaltungsmarkt geworden. Letztlich geht es nicht so sehr um Ideen, sondern um die Fähigkeit, diese Ideen richtig zu „verpacken“ und zu fördern. Was eine andere, unvergleichlich größere und von völlig anderer Investitionsqualität erfordert! Die konzeptionelle Vision eines modernen Zirkusprodukts wird von vielen russischen Schöpfern aus Trägheit als spezifische Widerspiegelung der Realität, als figurative Modellierung der Realität betrachtet. Die Neuzeit oder die „neue Ära“ (New Age), wie sie manchmal genannt wird, ist geprägt von einem wachsenden öffentlichen Interesse an Brillen, die auf einer grundlegend anderen Ästhetik basieren. Der moderne Künstler reflektiert oder ersetzt nicht, sondern verdichtet die Realität. Mit anderen Worten: Er schaut ... tief in sich hinein, bereit, sein eigenes „Unterbewusstsein“ zu demonstrieren, seine verborgenen Fantasien öffentlich zu enthüllen und oft am Rande der Intuition zu handeln. Die Rede ist, wie wohl jeder vermutet hat, vom Cirque Du Soleil.
3 Kanadischer „Cirque du Soleil“
Der Cirque du Soleil ist heute einer der besten Zirkusse der Welt. Es entwickelt und expandiert schnell. Sein wichtigster Vorteil besteht darin, dass es sich nicht nur um eine separate Zirkusorganisation handelt, sondern um ein riesiges Zirkusunternehmen, das nie aufhören wird, sich weiterzuentwickeln, sondern immer neue Höhen erreichen wird.
„Circus of the Sun“ wurde Ende der 70er Jahre vom französisch-kanadischen Zirkuskünstler Guy Laliberte, einem gebürtigen Quebecer (Französisch-Kanada), gegründet. Er bat die Stadtverwaltung von Montreal um Hilfe bei der Organisation seines Plans, die ihm überraschenderweise entgegenkam. Vielleicht wurde die Entscheidung der Stadtangestellten dadurch beeinflusst, dass das kanadische Eishockey, der Hauptvorteil des Landes, zu dieser Zeit erhebliche Schwierigkeiten hatte und der Zirkus nach Lalibertes Idee zu einem neuen Aktivposten für die Menschen in Kanada werden sollte.
Young, er war damals erst 23 Jahre alt, aber der unternehmungslustige Zirkusartist erhielt für eine geringe Gebühr von 1 Dollar pro Jahr ein großes Grundstück am Stadtrand von Montreal zur Miete. Auf diesem Territorium baute Guy Laliberte zusammen mit seinen Gleichgesinnten zunächst ein Zirkuszelt mit 800 Sitzplätzen auf, in dem regelmäßig Aufführungen stattfanden, die schnell an Ruhm und Bevölkerung gewannen und der Besucherandrang kein Ende nahm. Man könnte vom Erfolg des gegründeten Unternehmens sprechen. Nach einiger Zeit wurde an der Stelle des ersten Zeltes ein einzigartiges Gebäude errichtet, das wie zwei transparente farbige Rechtecke aussah. Es ist sehr schwierig, dieses Gebäude als Zirkus zu bezeichnen, aber das ist es wirklich. Darüber hinaus beherbergt es erfolgreich eine Ausbildungsbasis, ein Atelier zum Nähen von Kostümen für Aufführungen, Werkstätten für die Gestaltung von Bühnenbildern und einen Büroteil – hier ist alles vorhanden.
Der moderne Zirkus „Cirque du Soleil“ ist ein riesiges Unternehmen mit Niederlassungen in mehreren Ländern auf der ganzen Welt: in England – in London, in den USA – in New York und Las Vegas sowie in Amsterdam, Singapur, Hongkong. Der Hauptsitz des Konzerns befindet sich in Montreal. Der Gesamtumsatz des kanadischen Zirkus beträgt mehr als eine Milliarde Dollar.
Dieser grandiose Zirkus beschäftigt rund 2.000 Mitarbeiter, die meisten davon sind Zirkusartisten. Guy Laliberte hat derzeit 25 Showprogramme erstellt, von denen einige regelmäßig um die Welt touren, während andere dauerhaft in Zirkussen in Las Vegas und Orlando arbeiten.
„SALTIMBANCO“, „QUIDAM“, „ALEGRIA“, „CORTEO“, „DRALION“, „VAREKAI“, „O“, „MYSTERE“, „KA EXTREME“, „LA NOUBA“, „ZUMANITY“, „DELIRIUM“, „LOVE“, „THE BEATLES“ – das sind nur einige Namen der Programme, die der kanadische Zirkus präsentiert. (www.cirquedusoleil.com)
Es kann unterschiedlich behandelt werden. Aber man kommt nicht umhin zu bemerken, dass die Kapitalisierung des Unternehmens über mehrere Jahrzehnte eine Milliarde Dollar erreicht hat und die Steuereinnahmen aus dem „Solar Circus“ nach Hockey und Ahornsirup zur dritten Einnahmequelle Kanadas geworden sind. Diese unglaubliche Wachstumsdynamik verdient zumindest eine Überlegung.
Franco Dragons Konzeptprojekt zur Inszenierung von „Saltimbanco“ gleicht einem Zauberspruch: „In der Stadt... Wo es einen Mann, eine Frau und ein Kind gibt. In der Stadt derer, die viel haben und derer, die benachteiligt sind.“ derer, die gleichgültig sind, und derer, die nicht gleichgültig sind. In der Stadt derer, die Augen haben, aber nicht hören können Stadt, in der die wilde Natur den Müßiggänger zum Künstler macht und ein einfacher Straßenkünstler diese Welt auf dem Weg zur Enttäuschung verzaubert. In der Stadt, in der „Saltimbanco“ seine Aufführung beginnt.
Nichts von dem, was in dieser Passage erklärt wird, lässt sich direkt in der Aufführung des Cirque Du Soleil erkennen. Ja, das ist nicht erforderlich. Die obige Aussage ist eine Art Gebet, mit dem sich der Regisseur an die Schauspieler und das Kreativteam wendet, um die kreative Fantasie anzuregen und die Richtung des Plans des Regisseurs anzugeben. Als das Produktionsteam von einer fast religiösen Ekstase erfasst wird, gelingt es ihm auf wundersame Weise, in der Aufführung die Emotionen und Stimmungen zu vermitteln, die der Regisseur sucht. Es ist unwahrscheinlich, dass das Kreativteam an Modernität oder der alltäglichen Ebene der Realität interessiert ist. Sie schöpfen Ideen und Bilder aus der Romantik der Vergangenheit: antike Stiche von Jacques Callot und Gemälde von Francisco Goya, aus dem Arsenal an Ausdrucksmitteln der traditionellen Peking-Oper und des mittelalterlichen Theaters „Del Arte“, aus den Märchen von E. Hoffmann, C. Perrault, H. Andersen... Endlich aus einem unschätzbaren Erbe des sowjetischen und russischen Zirkus. Und auch... aus Erinnerungsspeichern.
„Im Kopf eines jeden von uns gibt es einen Dachboden, in dem sich unsere wilden Träume und schrecklichen Albträume stapeln, die unweigerlich auf uns lauern. Zwischen den Feinheiten und Spitzen unserer Erinnerung leben einst verlassene Spielzeuge und bewahren das wunderbare Echo unserer Kindheitslachen und Tränen. Irgendwo in unserer Erinnerung ...“, ist sich der Regisseur von „La Nouba“ sicher. (www.cirquedusoleil.com)
Keinem einzigen Menschen wird die Möglichkeit gegeben, die Eindrücke der Kindheit und Jugend loszuwerden. Es kommt der Moment, in dem der Künstler in seinen Werken verborgene Wünsche, ungelöste Komplexe, unerfüllte Träume symbolisch erkennt.
Versuchen Sie zu erraten, warum der Akkordeonpart in fast jeder Partitur von Du Soleils Aufführungen so hell und durchdringend klingt? Wer kann sagen, was die schicke Wendeltreppe oder das Vorhandensein von Falltüren auf der Bühne im Stück „Varekai“ bedeuten? Was symbolisiert die berührende Spielzeugeisenbahn, die zu Beginn des Stücks „La Nouba“ abfährt? ...Die Antworten finden sich natürlich... in der Biografie von Guy Laliberte, dem Gründervater des Solar Circus. Für Kommentare wenden Sie sich bitte an Dr. Sigmund Freud. Die Welt der Aufführungen des Zirkus der Sonne ist völlig fiktiv und bedarf keiner direkten logischen Begründung. Diese Welt ist von fantastischen Charakteren bevölkert, die mit ausdrucksstarker Plastizität und tadelloser Tricktechnik die Geschichte außergewöhnlicher Menschen erzählen. Fügen wir dazu noch den Luxus der Kostüme und den Einfallsreichtum des Bühnenbildners, die Vielfalt des Lichts, die Originalmusik einer „Live“-Stimme und eines „Live“-Orchesters hinzu ... Alles zusammen sind Bestandteile des fabelhaften Charmes, der das Ganze durchdringt Aufführungen des Solarzirkus.
4 berühmte Zirkusse der Welt
Die Liste der beliebtesten Zirkusse der Welt umfasst:
) Kanadischer Cirque du Soleil (Zirkus der Sonne) (siehe oben)
) Chinesischer Staatszirkus (Chinesischer Staatszirkus). China – der Geburtsort von Regenschirmen, Pagoden und Seide – bescherte der Welt Zirkuskunst. Und wenn der Zirkus der Sonne erst vor einem Vierteljahrhundert geboren wurde, dann reicht die Geschichte des chinesischen Zirkus etwa viertausend Jahre zurück!
Clowns und Zauberer sowie Trainer arbeiten im chinesischen Zirkus nicht. Zur Star-Truppe gehören jedoch die weltbesten Akrobaten, Turner, Seiltänzer und Jongleure. Die Darsteller sind einfach fantastisch ausgebildet (die besten von ihnen werden im Alter von drei Jahren auf Wettbewerbsbasis ausgewählt und täglich trainiert), und jede Zirkusvorstellung ist eine philosophische Abhandlung, präsentiert in der Sprache der Symbole, Gesten und Allegorien. Die komplexesten filigranen Tricks und das Können der Künstler (einige von ihnen sind Meister aus dem legendären Shaolin-Kloster) bescherten dem chinesischen Staatszirkus viele der prestigeträchtigsten Zirkus-Oscars – „Goldener Löwe“ und „Goldener Clown“. Künstler werden in der Regel nicht älter als 25 Jahre. Über den chinesischen Zirkus sagt man: Der Hauptunterschied zum westlichen besteht darin, dass hier nicht Erwachsene daran arbeiten, Kinder zu unterhalten, sondern Kinder, die daran arbeiten, Erwachsene zu unterhalten.
)Ringling Brothers und Barnum & Bailey (Ringling Brothers, Barnum and Bailey Circus). Und wie alles Amerikanische überrascht es durch sein Ausmaß, seinen Umfang und seine Erhabenheit. Schauen Sie sich nur den Namen an, der 7 (sieben!) Namen vereint. Und der erste von ihnen gehört den fünf Ringling-Brüdern, autodidaktischen Zirkuskünstlern des späten 19. Jahrhunderts. Sie waren so erfolgreich – zunächst bei ihren eigenen Auftritten und dann im Zirkusmanagement –, dass sie eines Tages den größten Zirkus von Barnum und Bailey aufkauften und damit eine neue Ära der Zirkusaufführungen einläuteten. Hier ist alles Gegenstand der Werbung, und deshalb haben Zuschauer, die vorab zur Aufführung kommen, die Möglichkeit, zuzusehen, wie die Clowns sich schminken und wie trainierte Tiere sich auf die Aufführungen vorbereiten (möchten Sie sie streicheln? - ja, genauso wie Sie Es ist dieser Zirkus, der dadurch berühmt wurde, dass die Zuschauer gleichzeitig sieben Attraktionen auf drei Arenen und vier Plattformen sehen können!
) Zirkus der Brüder Fratellini (Frankreich) Wenn sie über den besten Champagner der Welt sprechen, erinnern sie sich an „Veuve Clicquot“, die besten Kostüme der Welt werden mit Brioni in Verbindung gebracht, und wenn sie über unübertroffene Clowns sprechen, erinnern sie sich sicherlich die Fratellini-Brüder. Bis heute ist ihr Name ein Synonym für anspruchsvolle und schöne Clownerie.
Ihr Entrée ist ein echter Klassiker, aber äußerst talentiert inszeniert, lustig, weise und freundlich. Die Tochter eines der Brüder, Annie, wurde der berühmteste französische Clown und gründete die weltberühmte Fratellini-Schule (einer ihrer Absolventen ist Vincent Cassel). In diesem Zirkus sind die Hauptfiguren Clowns, die Sie zum Lachen bringen können laut. Und dich zu Tränen rühren. Dieser Zirkus ist jedoch ein Träger echter europäischer Traditionen, und an der Show sind dressierte Tiere, Seiltänzer und Luftakrobaten beteiligt.
)Großer Moskauer Zirkus am Wernadskij-Prospekt. Klassische Traditionen der Zirkuskunst, Weltruhm und Monumentalität – vielleicht sind das die drei charakteristischen Merkmale des Moskauer Zirkus. Auf seiner Bühne traten Oleg Popov, Yuri Nikulin und der Clown Karandash auf; hier traten die besten Zirkustruppen der Welt auf. Zirkusartisten sind wiederholt Gewinner der prestigeträchtigsten Preise und Auszeichnungen. Der mit fünf austauschbaren Arenen ausgestattete Zirkus auf Wernadskij wird als Wunder der Technik bezeichnet. Die Arenen – Reitsport, Illusion, Eis, Wasser und Licht – liegen in einer Tiefe von 18 Metern und werden durch spezielle Mechanismen angetrieben. Dieser 1971 erbaute Zirkus ist nach wie vor der größte Zirkus der Welt und bietet Platz für 3.328 Zuschauer!
Fazit: Dieses Kapitel liefert die objektiven und wichtigsten Gründe für die Beliebtheit des Zirkus. Die Zirkuskunst hat schon immer Menschen mit ihren Geheimnissen, ihrer Unterhaltung und ihrem Spaß angezogen. Doch die neue Informationsgesellschaft verlangt vom Zirkus etwas ganz anderes. Der Zirkus der neuen Zeit soll „tief in den Menschen“ blicken, in die verborgensten Winkel seiner Seele, angenehme Erinnerungen wecken, ein originelles Weltbild reproduzieren und unmögliche Träume wahr werden lassen.
Kapitel III. Die Beziehung zwischen Zirkus und anderen Künsten
1 Zirkus in der bildenden Kunst
Die Auftritte der Zirkusartisten ziehen seit der Antike Bildhauer und Künstler an. Das Felsrelief des Grabes des ägyptischen Pharaos Chnumhotep II. in Beni Hassan (1900 v. Chr.) zeigt Jonglier- und akrobatische Übungen von Mädchen. Im Museum von Verona gibt es ein Diptychon, das den Auftritt eines jungen Pilarius (Jongleur) darstellt. Umgeben von einer Menge Zuschauer jonglierte der junge Mann mit 7 Bällen. Das Historische Museum in Moskau beherbergt ein römisches Banner (2. Jahrhundert n. Chr.), auf dem in Gold die Figur der auf einem Ball balancierenden Göttin Victoria abgebildet ist. Zahlreiche Denkmäler der antiken Kunst stellen neben ihrem künstlerischen Wert eine reichhaltige Informationsquelle über die Formen künstlerischer Tätigkeit dar. Szenen auf Fresken, Wänden aus Tonvasen, Flachreliefs von Grabsteinen und Skulpturen weisen darauf hin, dass antike Künstler die Kunst der Akrobatik, des Jonglierens, der Antipodenkunst, der Leichtathletik, des Balanceakts und des Voltigierens zu Pferd beherrschten.
Im Mittelalter sehen wir Auftritte reisender Künstler in Randzeichnungen englischer, französischer und flämischer Handschriften aus der 2. Hälfte des 13.–14. Jahrhunderts. Seiltänzer, Sportler, Akrobaten und Jongleure werden von unbekannten Künstlern dargestellt. Doch vor allem interessierten sich die Künstler damals für dressierte Tiere: Bären, Löwen, Affen, Pferde, Kamele, Hunde. In Russland war „Bärenspaß“ beliebt, bei dem Tiere die Handlungen von Menschen lustig parodierten. Diese Bärenkomödien wurden im 18. Jahrhundert zu einem beliebten Motiv für Volksbilder, wobei die Zeichnungen von amüsanten erklärenden Texten begleitet wurden (ähnlich einem modernen Comic). Die Fresken der Sophienkathedrale in Kiew (11. Jahrhundert) zeigen tanzende Possenreißer, Musiker und Seiltänzer, die auf ihrer Schulter eine Stange balancieren, an der ihr Partner entlang klettert.
Der erste namentlich bekannte Künstler, der die Darbietungen von Zirkusartisten malte, war Bosch. In dem Gemälde „Der Scharlatan“ (15. Jahrhundert) stellte er die Leistung eines Zauberers dar, der Kugeln und Becher manipuliert.
In den Gemälden von Bruegel dem Älteren und anderen niederländischen Meistern des 16.-17. Jahrhunderts. enthält eine Fülle von Informationen über die darstellenden Künste dieser Zeit. Der Stich von H. Kock nach Bruegels Zeichnung „Der Fall des Zauberers Hermogenes“ zeigt einen Seiltänzer im Kostüm eines vogelköpfigen Dämons mit einem langen Schwebebalken in den Händen; ein Akrobat, der an einem Seil hängt; ein Jongleur, der einen Teller auf einem Stock dreht, Zauberer, ein Puppenspieler.
Zirkusszenen in der bildenden Kunst des 18. Jahrhunderts. sind selten geworden. Aber im 19. Jahrhundert. Künstler wenden sich wieder Zirkusthemen zu. Einer der ersten war Goya, der die Auftritte reisender Künstler darstellte: die Leinwände „Akrobaten“, „Real Madness“, auf denen der Künstler ein trainiertes Pferd auf einem schlaffen Seil und auf dem Rücken einen tanzenden Reiter darstellte. Daumier stellt Straßenakrobaten in seinen Stichen dar, die Szenen aus dem Leben reisender Künstler gewidmet sind. Das Bild des Zirkus in den Gemälden von Künstlern des 19. Jahrhunderts. viele Gesichter. Das bunte Zirkusfest erscheint in den Gemälden von Degas, Renoir und Toulouse-Lautrec. Degas zeigte in dem Film „Miss Lola im Fernando Circus“ eine Turnerin, die in einer Prothese unter der Zirkuskuppel hängt.
Es gibt bekannte Künstler, die sich in ihrer Arbeit der Darstellung von Auftritten, Proben und dem Leben hinter den Kulissen bestimmter Künstler widmen. Künstler des russischen Zirkus der Mitte des 19. Jahrhunderts. da war Sapozhnikov, der 12 Lithographien der Premieren der Zirkustruppe malte: Natarova, Kuzan, Bassin, Viola und Pacifico, Chancelet und Lezhar. Letzteres wird in der seltenen Pferdesportausgabe „Frühstück“ vorgestellt. Auf dem Rücken eines galoppierenden Pferdes befinden sich ein Serviertisch und ein Stuhl, auf dem der Reiter sitzt und Wein aus einer Flasche in ein Glas gießt. Die Rolle des Chronisten des deutschen Zirkus in der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts. aufgeführt von Lang. In seinen Bleistift- und Federzeichnungen sind Zahlen zu sehen, die aus der Arena des modernen Zirkus verschwunden sind: „Clown-Kavallerie“, „Reiter mit Brücken“, „Triple School Tandem“, „Manöver mit Bändern“, „Quadrille von Louis 14“ , „Husarenmanöver“, „Pas de shawl“, „Pas de baguette“ und vieles mehr. Von den Zeichnungen, die dem Leben hinter den Kulissen gewidmet sind, ist „Das Verladen der Pferde des Zirkus Salamonsky in Eisenbahnwaggons“ von Interesse.
Zirkusthemen sind in der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts weit verbreitet. In Picassos Gemälden („Mädchen auf dem Ball“, „Akrobaten mit Hund“, „Familie der Akrobaten“) taucht das Thema des dramatischen Schicksals von Straßenakrobaten auf. Picassos Leidenschaft für den Kubismus wird in dem Gemälde „Der Athlet“ anschaulich verkörpert. Der Künstler „formt“ Gesicht, Körper und Muskeln des Künstlers mit betonten geometrischen Formen.
Chagall erschafft in seinen Gemälden eine Märchenwelt – und Zirkusakrobaten, Clowns und dressierte Pferde werden zu einem notwendigen Teil dieser Welt. „Ich betrachte Clowns, Akrobaten und Schauspieler immer als tragische Kreaturen“, schrieb Chagall. Sie erinnern mich an Figuren in religiösen Gemälden. In einem seiner letzten Werke („Der große Zirkus“) präsentierte der Künstler die Welt als Zirkusvorstellung, in der alles Leben im Kreis der Arena eingeschlossen ist. Unten ist ein Bild einer Stadt mit dem Eiffelturm. Oben befinden sich Sitzreihen voller Zuschauer. In der Arena gibt es Liebende, Clowns mit Blumen, fliegende Pferde und Menschen, ein in der Luft schwebendes Orchester – eine Welt, in der alles fantastisch und real ist.
S. Dali gelang es in der Gravur „The Chinese“, den raffinierten Rhythmus der Arbeit chinesischer Jongleure zu vermitteln, die Porzellanteller auf Bambusrohren drehten.
Matisse beschäftigte sich immer wieder mit Zirkusthemen. In einer unter dem Titel „Jazz“ zusammengefassten Zeichnungsserie werden die Künstler wie bunte, auf einer Fläche ausgebreitete Arabesken dargestellt.
Das Leben des heimischen Zirkus spiegelt sich deutlich in den Zeichnungen und Stichen von Vereiskys Vater und Sohn wider. Die meisten Künstler wurden von ihnen in charakteristischen Momenten der Arbeit in der Arena aufgenommen: Jockeys unter Alexandrova-Serge im Moment der Parcourssprünge galoppierender Pferde; Yu. Durov – in einem Trick mit einem Seelöwen, der eine Tischlampe auf der Nase balanciert; Clown Tskhomelidze im Miniaturformat „Elefant“.
Gemälde der Auftritte von Zirkusartisten wurden vom Künstler A. Semenov hinterlassen: „Luftflug „4 Donato““ „, „Porträt von Vitaly Lazarenko“, „Bei einer Probe im Staatszirkus Penza“ (1935) usw.
Gleichzeitig werden in den Werken von Vereisky und Semenov Merkmale des Prunks skizziert, die in den Folgejahren zum Prunk der offiziellen Kunst ausarten. Gleichzeitig malten weiterhin lyrische und poetische Künstler den Zirkus. Die romantische Märchenwelt des Zirkus lebte in den Gemälden und Aquarellen von A. Fonvizin, A. Tyshler, V. Lebedev, D. Daran (Illustrationen zu Goncourts Buch „The Zemgano Brothers“).
Der Zirkus wird in den Werken von A. Rodtschenko interessant dargestellt. Die Helden seiner Bilder waren Slapstick-Clowns, Panel-Reiter, Reifenspringer und Standakrobaten. Es war ein Zirkus der Vergangenheit und laut dem Künstler hat er es aus der Erinnerung gemalt.
Der Zirkus war ein beliebtes Thema in den Stichen von F. Bogorodsky, der in seiner Jugend als Zirkusartist arbeitete. Auch heute noch wenden sich Künstler Zirkusthemen zu: Y. Pimenov („Junger Tänzer auf einem Draht im Zirkus“), V. Shmokhin (Album „The Cheerful Clown“), S. Chernov („Planet Circus“, „Tent Top“, „Kurs“ usw.).
2 Zirkus in Kino, Musik, Literatur
Die Geschichte des Weltkinos kennt eine Vielzahl von Filmromanen, Filmkomödien und Filmdramen, deren Handlung die Drehbuchautoren aus dem Zirkus schöpften.
Der Film „Circus Child“ diente als Ausgangspunkt für die Drehbuchautoren des Films „State Circus Child“ (Drehbuchautoren O. Blazhevich und A. Goldman, Regisseure S. Kozlovsky, L. Baratov, Studio „Mezhrabpom-Rus“) Natürlich ist ein Experiment, den Actionfilm eines anderen zu verpflanzen, auf sowjetischem Boden naiv. Auch die künstlerische Seite des Films ist enttäuschend: Die Filmsprache des Films ist langweilig, teilweise einfach inkohärent. Vielleicht hat mich nur die flüchtige Begegnung mit guten Zirkusdarbietungen gefreut, die auf diesem Band festgehalten sind, von dem alle sechs Teile sorgfältig in den Regalen des Staatlichen Filmfonds aufbewahrt werden, als lebendiges Zeugnis seiner Zeit, als eine der Seiten von Die Geschichte unseres Kinos.
Doch der Film „Mortal Number“ kann nicht mehr zur offiziellen Vorführung bestellt werden – er befindet sich in keinem Archiv, kein einziges Exemplar ist erhalten. Und man kann es nur anhand von Rezensionen und dürftigen Notizen auf den Seiten der Presse beurteilen. Die Handlung von „The Mortal Number“ spielt sich hinter den Kulissen eines Provinzzirkus ab, in dem ein ausländischer Gastdarsteller, der Raubtierbändiger Captain Dangos, auftritt. (In dieser Rolle spielte der oben erwähnte Zirkusdirektor Arnold.) Um die gesunkenen Gagen aufzutreiben, ersann der Kapitän einen Todesakt mit wilden, aber ungezähmten Löwen. Sein Assistent Samario sollte mit den Tieren herauskommen. Unter dem Einfluss sowjetischer Künstler weigerte sich der Italiener Samario, an dem zweifelhaften Abenteuer teilzunehmen. Genau in diesem Moment traf der Kapitän den Buchhalter Sidorov, der eine Aktentasche mit einer großen Summe Regierungsgeldern verloren hatte. Sofort entstand im Kopf des gerissenen Geschäftsmannes ein Plan: Sidorow gegen eine große Belohnung davon zu überzeugen, die Rolle des berühmten Hypnotiseurs und Bezwingers der Löwen zu übernehmen. Die Raubtiere stürzten sich auf die imaginäre Berühmtheit, sobald er den Käfig betrat, und hätten ihn wahrscheinlich in Stücke gerissen, wenn Samario diesem Verrückten nicht zu Hilfe gekommen wäre.
„Death Row“ war ein ziemlich mittelmäßiger Film. Und vielleicht wäre es nicht der Erinnerung wert, wenn es nicht ein Beispiel für eine neue Herangehensweise an das Thema wäre. Die Autoren bevölkerten das Bild nicht mit „Vampirinnen“, nicht mit leidenden Clowns, sondern mit sehr realen Charakteren aus der Mitte des Zirkuslebens. Vielleicht treffen wir zum ersten Mal unter den Charakteren einen Turner, den Vorsitzenden des örtlichen Komitees, und einen Reiter, den Sekretär.<…>Und der Konflikt des Films war damals durchaus aktuell: Ausländische Gastdarsteller, die in unseren Zirkussen arbeiteten, versuchten oft, hier nach ihren wölfischen Gesetzen zu leben. In „The Mortal Number“ verteidigen sowjetische Künstler, angetrieben von einem Gefühl der internationalen Solidarität, aktiv ihre Berufskollegen, die vom Besitzer der Attraktion, den räuberischen Dangos, ausgebeutet werden.“ (Slavsky 2002, S. 38)
Der Zirkus während des Bürgerkriegs ist das Thema der nächsten drei Filme, die im selben Jahr 1929 veröffentlicht wurden: „Benefizvorstellung von Georges dem Clown“, „The Last Attraction“, „2-Bul-di-2“. Die Autoren sehen dieses Material unterschiedlich, erzählen mit unterschiedlichen filmischen Techniken die Geschichte der Zirkusartisten, die am revolutionären Kampf beteiligt sind, aber eines verbindet sie alle – der Wunsch, den Aufstieg spiritueller und kreativer Kräfte zu zeigen, der sich unter den gewöhnlichen Menschen so deutlich manifestierte Menschen der Arena in einem historischen Moment. Diese Filme, die sich gegenseitig ergänzen und vertiefen, schaffen ein kollektives Bild eines Zirkusartisten – eines Teilnehmers am Bürgerkrieg. Sieben Jahre lang beschäftigte das Thema Zirkus die kreativen Köpfe der Drehbuchautoren und Regisseure nicht. Es schien, als ob die bescheidene Rezeption früherer Werke die Filmemacher völlig für die fröhliche Kunst des Zirkus abgekühlt hätte. Aber nein! Am 25. Mai 1936 begann der Siegeszug über die Leinwände des Films „Circus“. Absoluter, universeller Erfolg. Erfolg nicht nur bei unserem Publikum, sondern auch im Ausland: Auf der Internationalen Ausstellung in Paris wurde „Circus“ mit der höchsten Auszeichnung ausgezeichnet – dem „Grand Prix“.
Es besteht kaum Bedarf, den Inhalt des Films noch einmal zu erzählen. Jeder sah ihn. Und viele sogar mehrmals. Deshalb möchte ich Ihnen als Augenzeuge einige wenig bekannte Details im Zusammenhang mit den Dreharbeiten zu diesem Film erzählen.
Während der Saison 1935 traten der Filmregisseur Grigory Vasilyevich Alexandrov und Lyubov Petrovna Orlova, die zukünftige Darstellerin der Rolle von Marion Dixon, häufig bei Aufführungen des Moskauer Zirkus auf. „Alexandrow verwandelte ein Zirkusspektakel, das früher als einfacher Zahlenwechsel bekannt war, in eine große, lebensbejahende Extravaganzvorstellung, in der die Klänge feierlicher Musik, die plastischen Bewegungen geordneter Reihen, Farben und eine komplexe Partitur von Lichteffekten verschmolzen zusammen.<…>Diese Aufführung verzauberte Sie und schien Sie in eine Art Märchenwelt zu entführen, in der Spaß und Freude triumphieren, in der Sie besondere Menschen trafen, schön in ihrer harmonischen Entwicklung, mutig, geschickt, heldenhaft stark.<…>Alexandrow schuf auf der Leinwand das Bild eines neuen, sowjetischen Zirkus.“ (Slavsky 2002, S. 46) Sein Film hatte großen Einfluss auf das Schicksal unserer Zirkuskunst und wirkte sich positiv auf ihre kreative Entwicklung aus. Diese Flut an Erfindungen, Geschmack und Emotionen hat das forschende Denken der Menschen in der Arena entscheidend vorangetrieben. Noch lange danach werden Zirkusdirektoren und Künstler den Einfluss von Alexanders gewaltiger Meisterschaft spüren und seinen künstlerischen Techniken noch lange folgen. Die Hauptsache ist, dass der Film zur Entstehung dieses sehr romantischen Stils des sowjetischen Zirkus beigetragen oder, genauer gesagt, beschleunigt hat, den die ausländische Presse später als russisch bezeichnen würde.
Nach dem Großen Vaterländischen Krieg wandte sich die künstlerische Kinematographie erst in der zweiten Hälfte der 50er Jahre dem Thema Zirkus zu: „Der Tigerbändiger“ (1955), „Der Guttapercha-Junge“, „Der Ringer und der Clown“ (beide 1957). ) In den letzten Jahren hat der Zirkus immer wieder die Aufmerksamkeit der Filmemacher auf sich gezogen: Dieses Zirkusspektakel ist mit einem hellen Muster in das künstlerische Gefüge von Filmen wie „Der Künstler aus Kokhanovka“, „Mr Friends“, „Granatarmband“, „Time, Forward!“, „Little Fugitive“ oder der poetische Film „Das Mädchen am Ball“ nach der berühmten Geschichte von Viktor Dragunsky, der einst auch im Zirkus tätig war; Dann wird das Zirkusleben selbst zum Thema einer Filmgeschichte, wie in den Filmen „Heute ist eine neue Attraktion“, „Arena“ oder „Seilläufer“ über die Meister des ältesten Zirkusberufs, die berühmten usbekischen Türsteher Taschkenbajews. Das Drehbuch dieses Films wurde, wie ich in Klammern anmerke, von einem Vertreter dieser Dynastie, Anarchon Tashkenbaeva, geschrieben.
Was das westliche Kino betrifft, so hatte auch er schon immer eine besondere Leidenschaft für das Thema Zirkus. Dies ist natürlich der Film „Circus“ (1928) mit der Beteiligung des unnachahmlichen Charlie Chaplin, „Holy Blood“ (1989) von Alejandro Jodorowsky, „Circus Milovano“ (2008) von Gerlando Infuso, „Wasser für Elefanten!“ „ (2011) von Francis Lawrence, basierend auf dem gleichnamigen Buch von Sarah Gruen und anderen. In diesem Jahr wurde bekannt, dass James Cameron, Regisseur von „Avatar“ und „Titanic“, einen Film produzieren wird, der diesem Thema gewidmet ist legendären Cirque Du Soleil.
Auch die Belletristik widmete dem Zirkus Aufmerksamkeit. Es gibt nur wenige solcher Bücher, aber es gibt sie immer noch. Hier sind einige davon: Max Fry „The Big Cart“, Sarah Gruen „Water for the Elephants!“, Linor Goralik „Martin Doesn't Cry“, Ivan Kudryavtsev „In the Gosh Arena“, Henry Miller „Tropic of Capricorn“ (Das Buch erwähnt den Fratellini Brothers Circus), Nikulin Yu.V. „Fast im Ernst“, K. Roland „White Clown“.
Viele bekannte Persönlichkeiten der Musikindustrie nutzen in ihrer Arbeit die Zirkusästhetik. Die verschiedenen Videoclips spiegeln vor allem die Romantik der Zirkuskunst wider. Als Beispiel können wir Werke wie Christina Agilera-Hurt, Britney Spears-Circus, Milen Farmer- Optimisque Moi, Mika Newton-Angel, Bi-2-Eternal Phantom Counter, Panic at the Disco-Nine am Nachmittag und The nennen Balled of Mona Lisa, Fall Out Boys – Danke für die Erinnerungen, Massive Attack – Paradise Circus usw.
Fazit: Künstler, Musiker, Film- und Literaten interessieren sich seit vielen Jahrhunderten für das Thema Zirkus. Inspiriert von der Ästhetik des Zirkus schöpfen sie eine Vielzahl von Ideen für ihre Werke. Es kommt zu einer Art „Bereicherung“ vieler Künste auf Kosten des Zirkus. Auch wenn in letzter Zeit im Zirkus nichts grundlegend Neues aufgetaucht ist, lässt das Interesse anderer Kunstbereiche daran nicht nach. Ein Beweis dafür sind die neuesten Werke aus Kino, Literatur und Musikindustrie.
Abschluss
Die Zirkuskunst entstand aus Aufführungen auf öffentlichen Plätzen und theatralischen Sportwettkämpfen. Die Hauptfigur des Zirkus ist ein Künstler, der scheinbar unüberwindbare Hindernisse überwindet, körperliche Arbeit, Mut und menschlichen Einfallsreichtum poetisiert und ein verallgemeinertes künstlerisches Bild schafft. Dieses Bild wird hauptsächlich mit Hilfe spezifischer Zirkusmittel – Tricks – enthüllt. Auswahl und Zusammenstellung der Tricks sind der Aufgabe der Bildgestaltung untergeordnet. Eine Kombination von Tricks mit anderen schauspielerischen Handlungen stellt eine Aufführung dar – ein eigenständiges Gesamtwerk der Zirkuskunst, eine Kombination mehrerer verschiedener (verschiedener Genre-)Aufführungen – eine Aufführung. Die Zirkuskunst ist optimistisch und menschlich, ihre Hauptaufgabe ist die Verherrlichung eines mutigen, starken, geschickten, harmonisch entwickelten Menschen. Die Auftritte professioneller Zirkusartisten waren im antiken Griechenland, im antiken Rom, im alten Ägypten, in Byzanz, in Frankreich, England, Amerika und Russland berühmt.
Wenn wir versuchen, die Bedeutung und das Wesen der aktuellen und zukünftigen Veränderungen im Zirkus zu formulieren, dann ist die Notwendigkeit einer eingehenden Betrachtung von mindestens drei Faktoren, die diesen Prozess beeinflussen, offensichtlich. Das erste ist das Problem der Integration in den globalen Zirkusraum, das zweite sind die Besonderheiten und Merkmale des modernen Wettbewerbs im Zirkusgeschäft und schließlich die rasche Modernisierung der kreativen und künstlerischen Komposition. Im Bewusstsein dieser Faktoren als Prioritäten der Kreativpolitik hat der moderne Zirkus eine unbestreitbare Chance auf Entwicklung und Blüte.
Die Welt des Zirkus ist wirklich riesig und deshalb sind die Kunstformen, mit denen sie verschmolzen ist, so vielfältig. Der Zirkus nannte Kuprin einen „lebendigen Frühling“. Und egal wie sehr Schriftsteller und Meister des Kinos, der Literatur und der Musik die Handlungsstränge und Themen dieses Frühlings für ihre neuen Werke nutzen, seine lebendige Kraft versiegt nicht.
Literaturverzeichnis
1) In der Welt des Zirkus und der Bühne. http://www.ruscircus.ru
) Alles über Zirkusse.http://www.circusinfo.ru
) Internationaler Zirkusverband. http://www.circusfederation.org
) Zirkus-Enzyklopädie.http://www.ruscircus.ru/encyc
) Rudolf Slavsky//Zirkus durch die Augen des Kinos// über den Zirkus im Kino und Zirkuskomiker des Kinos.-2002.-S.32-85.
) Rudolf Slavsky//Sowjetischer Zirkus während der Kriegsjahre.-1975.-S.78-102.
) Theaterbibliothek. http://biblioteka.teatr-obraz.ru
) Dominique Zhandot. Geschichte des Weltzirkus. - St. Petersburg: Kunst, 1984. - S. 300.
) A.A. Barten. - Moskau: Sowjetischer Schriftsteller, 1965.-S.494.
) Evgeny Kuznetsov.Circus.Origin.Development.Perspects.-SPB: Art,1971- S.498
) A.A.Barten. Unter einem Planenhimmel. - St. Petersburg: Sowjetischer Schriftsteller, 1988. - S. 416
) Kuznetsov.E. Arena und Menschen des sowjetischen Zirkus, L.-M., 1947.-S.159-210
) www.cirquedusoleil.com
)I. Tschernenko. Hallo Zirkus! – St. Petersburg: Junge Garde, 1968, S. 160
) Paradegasse. -SPb: Art, 1989.S.320. Gebrauchte Buchausgabe.
Unterrichten
Benötigen Sie Hilfe beim Studium eines Themas?
Unsere Spezialisten beraten oder bieten Nachhilfe zu Themen an, die Sie interessieren.
Reichen Sie Ihre Bewerbung ein Geben Sie gleich das Thema an, um sich über die Möglichkeit einer Beratung zu informieren.
Jedes Kind weiß, was ein Zirkus ist – er besteht aus Lachen, Spaß, Clowns, klugen Tieren, Zauberern und cleveren Akrobaten. Aber selten kann ein Erwachsener erklären, was die Besonderheiten des Zirkus als Kunstform sind. Schließlich stellen wir uns darunter meist ein faszinierendes Spektakel, eine Show vor. Aber tatsächlich verbringen Zirkusartisten ihr ganzes Leben damit, nicht nur ihr Können, sondern auch die Kunst zu beherrschen – die Fähigkeit, Emotionen zu vermitteln und beim Publikum ästhetische Gefühle hervorzurufen.
Die Entstehung des Zirkus
Der Name „Zirkus“ geht auf das römische ovale Gelände zurück, auf dem verschiedene Volksfeste, Wettbewerbe und Shows stattfanden. Damals liebten die Römer es, Menschen dabei zuzusehen, wie sie in Kraft, Geschicklichkeit und verschiedenen Fertigkeiten konkurrierten. So entstand eine besondere Art von Spektakel, die heute Zirkus genannt wird. Aber so, wie wir es kennen und lieben, wurde es erst im 18. Jahrhundert. In Paris wurde ein spezielles rundes Gebäude errichtet, um die Kunst des Reitens und akrobatische Skizzen zu zeigen. Später griffen die Italiener diese Idee auf und ergänzten das Aufführungsprogramm um Nummern mit Tieren und Pantomimen. Was ein Zirkus ist, lernten die Menschen in Russland Ende des 18. Jahrhunderts. Im Jahr 1764 besuchte ein englischer Reiter Moskau auf Tournee, und diese Show markierte den Beginn der Eröffnung mehrerer stationärer Zirkusse. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts wurden in vielen russischen Städten solche Stätten errichtet. Nach und nach erweiterte sich der Umfang der Show, es entstanden traditionelle Programme und es entstanden Zirkusberufe. Der moderne Zirkus ist eine komplexe Synthese aus Unterhaltungsindustrie, Kunst, Management und Technologie.
Zirkus als Kunstform
Forscher sehen den Ursprung des Zirkus in antiken Kraft- und Geschicklichkeitswettkämpfen. Es wurde entwickelt, um besondere Fähigkeiten zu demonstrieren, die oft keinen praktischen Nutzen hatten. Experten, die Zirkus als Kunst charakterisieren, weisen vor allem auf die fehlende Wirksamkeit im Handeln der Künstler hin. Sie konkurrieren nicht um Preise, sondern ermöglichen es, die Fähigkeiten einer Person zu sehen und ästhetischen Genuss zu erleben. Das wichtigste Ausdrucksmittel der Zirkuskunst ist ein Trick, der beim Publikum Emotionen hervorrufen soll: Lachen, Überraschung, Angst, Freude. All dies macht den Zirkus mit anderen Arten darstellender Künste vergleichbar: Theater, Kino. In der Arena zeigt der Mensch die Fähigkeit der Natur zur Metamorphose, nur ist das Objekt dieser Transformationen nicht Stein, Ton oder Farbe, sondern der Mensch selbst. Er schafft Exzentrizitäten nach den Gesetzen und demonstriert das Höchste. Die Hauptprinzipien der Zirkuskunst sind: Reprise, Trick, Akt, Superaufgabe, Exzentrizität.
Zirkusstruktur
Besondere Kunst erfordert einen besonderen Raum. Der Zirkus ist nicht nur ein rundes Gebäude, sondern ein komplexes Gebilde mit zahlreichen Möglichkeiten. Die Zirkusarena ist das Herzstück des Geländes. Traditionell hat es eine runde Form mit einem Durchmesser von etwa 13 Metern. Wie ein Amphitheater ragen die Zuschauersitze aus der Bühne empor. In modernen, stationären Zirkussen gibt es oft mehrere Arenen für unterschiedliche Arten von Darbietungen: Pferd, Illusion, Licht, Eis, Wasser. Doch die Arena ist nur der sichtbare Teil des Zirkus. Hinter den Kulissen gibt es viele Büroräume: Umkleidekabinen, Proberäume, Bereiche für die Tierhaltung, Kostümräume. Auch technische Dienstleistungen spielen bei der Gestaltung des Theaters eine große Rolle: Beleuchtung, Gerätemontage, Bühnenbild, Vorhang – all das trägt dazu bei, dass der Zuschauer eine ungewöhnliche und komplexe Aufführung sieht.
Zirkusberufe
Wenn wir die Frage „Was ist ein Zirkus“ hören, erinnern wir uns an Menschen unterschiedlicher Berufe. Jeder von ihnen erfordert vom Künstler besondere Fähigkeiten und Fertigkeiten und ist eine besondere Kunst mit eigenen Gesetzen, Geheimnissen und Traditionen. Das klassische Zirkusprogramm umfasst Auftritte verschiedener Künstler; sie lassen sich nach den wichtigsten Ausdrucksmitteln und Materialien klassifizieren. Es gibt also Menschen, die mit Tieren arbeiten – das sind Trainer, mit dem menschlichen Körper – Jongleure, Seiltänzer, Turner, Seiltänzer. Es gibt auch spezielle Berufe, die an der Schnittstelle von Können und Technologie liegen – das sind Illusionisten. Die höchste Ebene in der professionellen Zirkushierarchie nehmen Clowns ein, die Schauspiel, Pantomime und Possenreißer vereinen. Aber Zirkusartisten können nicht ohne Theaterbedienstete arbeiten, die die Bereitstellung verschiedener Dienste und Assistenten übernehmen.
Jongleure
Wie bereits aus dem Namen des Berufs hervorgeht, traten Jongleure erstmals in Frankreich auf. Dieses Wort bedeutet wörtlich „Vergnügen“. Ursprünglich sangen und tanzten Menschen dieses Berufs auf Marktplätzen und Jahrmärkten. Aber Jonglieren als Aktivität reicht bis ins alte Ägypten zurück. Clevere Manipulationen mit vielen Objekten faszinierten das Publikum und sorgten für Überraschung und Bewunderung. Heute ist eine seltene Zirkusvorstellung ohne diese Künstler komplett; ihre Darbietungen sind zu einem wesentlichen Element der Zirkuskunst geworden. Bei ihren Darbietungen überraschen die Jongleure das Publikum, indem sie viele verschiedene Gegenstände in die Luft werfen und den Trick mit Balanceakten, komischen und akrobatischen Elementen erschweren. Das Jonglieren kann zu zweit oder alleine erfolgen; die Darsteller werfen und fangen Gegenstände nicht nur, sie können sie gleichzeitig drehen, rhythmisch abwechseln und sie einem Partner zuwerfen. Der Rhythmus des Jonglierens zwingt das Publikum, die Flugobjekte im Auge zu behalten, und die Geschicklichkeit des Künstlers löst Freude an ihnen aus.
Equilibristen
Ein weiterer Künstler, ohne den man sich eine Zirkusvorstellung nicht vorstellen kann, ist der Seiltänzer. Dieses Genre der Zirkuskunst basiert auf der Fähigkeit einer Person, auf instabilen Oberflächen das Gleichgewicht zu halten. Traditionell führten Seiltänzer verschiedene Bewegungen an Seilen, Bällen und Zylindern aus. Oft verbindet der Künstler die Fähigkeit, das Gleichgewicht zu halten, mit akrobatischen, komischen Aktionen sowie Jonglieren. Schon im alten China erfreuten sich Auftritte von Seiltänzern großer Beliebtheit. In vielen Kulturen der Welt wurden volkstümliche Unterhaltungen oft von Auftritten von Seiltänzern begleitet. Es gibt Varianten dieses Genres wie Aufführungen auf einem Ball, auf einem Draht, auf Rollen, auf Leitern, auf einem Trapez (Steinfalle), auf Einrädern.
Illusionisten
Zauberer oder Illusionisten sind Vertreter eines Berufsstandes, der die Zirkuskunst verherrlicht hat. Die Grundlage des Genres war Fingerfertigkeit. Künstler, die wussten, wie man magische Manipulationen mit verschiedenen Gegenständen, wie zum Beispiel Karten, durchführte, waren obligatorische Teilnehmer an mittelalterlichen Jahrmärkten. Moderne Illusionisten nutzen neben der Fähigkeit, mit ihren Händen erstaunliche Bewegungen auszuführen, verschiedene technische Tricks, um das Publikum in die Irre zu führen. Unter den Zauberern gibt es echte Berühmtheiten, deren Namen von Generation zu Generation weitergegeben werden. Zu diesen Illusionisten gehören Harry Houdini, Alessandro Cagliostro, die Familie Keogh, Uri Geller,
Clownerie
Fragen Sie ein Kind, was ein Zirkus ist, und Sie werden die Antwort erhalten: Meister, die in dieser Rolle arbeiten, sind zu einem echten Symbol des Zirkus geworden, ohne sie sind Aufführungen unmöglich. Der Beginn des Berufes wurde im Institut für Possenreißer gelegt, denn Narren befanden sich am Hofe aller Könige. Ihre Aufgabe bestand nicht nur darin, Laster zu unterhalten, sondern auch lächerlich zu machen, während der Narr, der Clown, jedem die Wahrheit sagen konnte. Die Kunst eines Clowns basiert oft nicht auf Humor, sondern auf Ironie, Possenreißer und Groteske. Die übertriebene Spielweise geht auf die Tradition possenhafter Aufführungen auf Jahrmärkten zurück. Der Clown soll die Menschen nicht nur zum Lachen, sondern auch zum Spott bringen, gleichzeitig darf sein Auftritt aber weder grausam noch beleidigend sein. Clowns treten oft zu zweit auf, wobei die Rollen klar verteilt sind. Im italienischen Theater wurden diese Rollen Pierrot und Harlekin zugewiesen, in der russischen Tradition sind es die roten (listigen und schurkischen) und weißen (ein wichtiger, prüder Gentleman) Clowns. Zwischen ihnen kommt es ständig zu Konflikten, lustige Szenen, die die Pausen der Aufführung füllen. In der Zirkuswelt gelten Clowns als die künstlerische Elite. In ihre Darbietungen integrieren sie häufig Elemente des Jonglierens, der Akrobatik, des Trainings und der Pantomime. Unter ihnen sind echte, großartige Schauspieler. Die berühmtesten Clowns sind M. N. Rumyantsev (Pencil), V. Polunin, Yu Nikulin und M. Shuidin, die paarweise arbeiteten, L. Engibarov, O. Popov. Jede Zirkusshow kann durch einen Clown gerettet werden, der immer dann in der Arena erscheint, wenn das Programm unterbrochen wird.
Der Vater des modernen Zirkus in seiner heutigen Form ist der englische Kavallerist Senior Sergeant Philip Astley (1742-1814). Und sein Zirkus begann als... eine Reitschule!
Philippa Astley
Philip Astley liebte Pferde seit seiner Kindheit und war einer der besten Reiter seiner Zeit. Nach seinem Dienst im Dragonerregiment wurde Astley Reitlehrer.
Der Legende nach half ihm ein glücklicher Zufall, sein eigenes Geschäft zu eröffnen. Der Legende nach fand er bei einem Spaziergang über die Westminster Bridge einen Diamantring. Und nach einiger Zeit brachte ihn das Schicksal am selben Ort mit Georg III. zusammen. Astley half dabei, das Pferd des Königs aufzuhalten, das plötzlich davonlief. Der gerettete König dankte Philipp großzügig. Mit dem Erlös eröffnete Philip 1768 eine Reithalle in Halfpenny Hatch in Lambeth. Es war eine runde Plattform.
Philip Astleys Reitschule, 1777
Um die Aufmerksamkeit der Menschen zu erregen und die Zahl der Schüler zu erhöhen, fanden nach dem Unterricht Vorführungen in der Schule statt. Der Eintritt war frei, aber nach dem Brauch der damaligen Reitturniere wurde nach jeder Vorstellung Geld gesammelt.
Pferdeshows erfreuten sich sehr schnell großer Beliebtheit und Philip beschloss, ein separates Gebäude für sie zu bauen. 1769 zog er an einen profitableren Standort in der Nähe der Westminster Bridge. In den neuen Räumlichkeiten führte Astley den kostenpflichtigen Eintritt ein: Schon damals war es für Theater schwierig, vom Geld der Gönner zu leben, und es galt, möglichst viele Zuschauer zu den Aufführungen zu locken. Tickets für die Show kosten einen Schilling für einen Sitzplatz und Sixpence für einen Stehplatz. Obwohl dieses Gebäude kein Dach hatte, war es durch seine dauerhafte Konstruktion aus Holz bereits vor Londons Wetterüberraschungen geschützt. Hier errichtete Astley auch schützende Seilbarrieren, die die Bühne umgaben. Er engagierte auch einen Schlagzeuger, der sich um die Soundeffekte kümmerte. Um die Aufführungen interessanter zu gestalten, griff Astley auf die Erfahrungen erfolgreicher Londoner Theater zurück und beschloss, Künstler origineller visueller Genres in die Aufführungen einzubeziehen – Akrobaten, Jongleure, Tänzer, Seiltänzer.
Neben Pferden zeigte der Zirkus auch andere Tiere. Im Jahr 1769 trat ein „Militäraffe“ namens General Jack in der Astley Arena auf, größere Tiere tauchten jedoch erst 1816 auf, als in einem Pariser Zirkus zwei Elefanten dem Publikum eine ganze Aufführung präsentierten: Sie nahmen Äpfel mit ihren Rüsseln, öffneten Flaschen und tranken ihren Inhalt und spielten auf einer Drehorgel.
So waren Philip Astleys Auftritte im Jahr 1770 eine Mischung aus Reiten, Akrobatik und Pantomime.
Wie erwartet war die neue Form der Aufführung ein großer Erfolg. So entstand der Zirkus, wie wir ihn kennen. Und die Einrichtung namens Astley Amphitheatre war der erste Zirkus in Europa.
Die Ehre, die runde Form der Arena zu erfinden, gebührt nicht Astley, wie manchmal fälschlicherweise behauptet wird. Schon damals führten Akrobatenreiter ihre Darbietungen auf runden Podesten auf. Auf diese Weise konnten sie immer im Blickfeld der Zuschauer sein, was beim Galoppieren über offenes Gelände nicht einfach zu erreichen ist. Es war jedoch Astley, der den optimalen Durchmesser der Arena entwickelte. Der Durchmesser von Astleys Manege betrug zunächst 62 Fuß (etwa 19 Meter). Beim Training mit Reitern stellte Philip fest, dass der optimale Durchmesser der Arena 42 Fuß (ca. 13 Meter) beträgt. Sie wurde so gewählt, dass durch das galoppierende Pferd eine optimale Zentrifugalkraft für den Reiter entsteht.
Astleys Amphitheater im London Circus, 1808
Am 4. August 1777 wurde in London eine ungewöhnliche Einrichtung eröffnet. Den Besuchern erwartete eine echte Überraschung: die erste Theaterzirkusvorstellung Europas. Es dominierten Reitvorführungen: Figurenreiten, Training, Jockey-Akrobaten, „lebende Reiterpyramiden“, die im vollen Galopp gebaut wurden. Astley demonstrierte als erster das Voltigieren – eine Reihe gymnastischer Übungen auf einem Pferd, das sich im Schritt, Trab und Galopp im Kreis bewegt.
Im Jahr 1780 wurde Astley's Amphitheatre zu einem Indoor-Veranstaltungsort mit Ständen, einer Loge und einem Balkon.
Als Philip den Erfolg seiner Erfindung sah, organisierte er ähnliche Amphitheater in anderen Städten. Zu seinen Lebzeiten wurden europaweit achtzehn Filialen eröffnet. Er widmete dem 1782 in Paris erbauten Zirkus, dem sogenannten English Amphitheatre, viel Zeit.
Astley selbst nannte seine Einrichtung nie einen „Zirkus“, da dieses Wort von seinem Konkurrenten Charles Dibdin geprägt wurde, der am 4. November 1782 zusammen mit Charles Hughes (einem ehemaligen Mitglied von Astleys Gruppe) ein weiteres Amphitheater und Teilzeitreiten gründete Schulfahrt. Er nannte seine Einrichtung „Royal Circus and Equestrian Philharmonic Academy“ ( Royal Circus und Equestrian Philharmonic Academy) in der Nähe des Astley Amphitheatre in Lambeth. Ein Teil dieses pompösen und umständlichen Namens wurde zum allgemeinen Namen für eine neue Unterhaltung – den Zirkus.
Astley starb im Januar 1814 in Paris. Seine Erben führten den Zirkusbetrieb weiter. Das französische Amphitheater existierte bis 1826, der Londoner Zirkus bis 1893.
Zirkus ist nicht nur für Kinder, sondern auch für Erwachsene eine der beliebtesten Kunstformen. Zu den Zirkusvorstellungen gehören Akrobatik, Reiten, Balanceakt, Tiertraining, Jonglieren, Illusion und Clownerie. Die Geschichte des Zirkus reicht mehrere tausend Jahre zurück. Im alten Ägypten und im antiken Griechenland gab es Zauberer, Akrobaten und Tiertrainer. Doch der allererste Zirkus erschien im antiken Rom und hieß Circus Maximus („großer Zirkus“).
Es war ein riesiges Hippodrom, auf dem Wagenrennen stattfanden. Unter Augustus erhielt der Zirkus seine dauerhafte architektonische Form – zwei Stockwerke mit Sitzplätzen für Zuschauer und Außenarkaden, in denen sich Tavernen und Geschäfte befanden. Unter Trajan wurde die Zahl der Zuschauerplätze erhöht.
Im Laufe der Zeit entwickelte sich der Zirkus nach und nach. Zirkusvorstellungen waren im mittelalterlichen Europa sehr beliebt. Keine einzige Massenfeier war komplett ohne Auftritte von Seiltänzern, Jongleuren und Akrobaten. Im 16. Jahrhundert entstanden die ersten Reitschulen, in denen Reiter und Pferdetrainer ausgebildet wurden. Auf der Grundlage solcher Schulen begannen in verschiedenen europäischen Städten Zirkusse zu entstehen, obwohl sie Amphitheater genannt wurden.
Reitvorführung in London
Ende des 17. Jahrhunderts wurden die von Philip Astley (England) in Lambert, London, organisierten Reitvorführungen zum Prototyp des ersten Zirkus. Im Jahr 1772 wurde in London der erste stationäre Zirkus namens Astley's Amphitheatre eröffnet. 1777 stellte Astley einen starken Mann ein, 1780 zwei Clowns und mehrere Akrobaten.
Der erste Zirkus auf dem europäischen Festland wurde 1780 von Juan Porte (Spanien) in Wien, Österreich, gegründet, der erste in Amerika war der 1792 gegründete Ricketts Circus in Philadelphia.
Wie aus dem Zirkus ein Zirkus wurde
1807 eröffneten die Brüder L. und E. Franconni das erste Gebäude mit dem Schild „Circus“ in Paris. In Russland entstand 1873 in Pensa ein stationärer Zirkus, dessen Gründer die Brüder Nikitin waren.
Seitdem werden die Gebäude, in denen Trainer und Reiter auftraten, Zirkusse genannt. Andere Zirkusartisten traten weiterhin auf den Plätzen auf.
Ab der Mitte des 19. Jahrhunderts entstanden in Europa und dann in Russland stationäre Zirkusse mit Zeltdach und runder Arena. Das Vorhandensein von Lampen im Zirkus ermöglichte die Durchführung von Aufführungen zu einem späteren Zeitpunkt, was die Zahl der Zuschauer erhöhte. Im 20. Jahrhundert erlangte der Zirkus weltweite Berühmtheit.
Bertram Mills Circus
Der erste, der im Fernsehen gezeigt wurde, war der Bertram Mills Circus, der 1938 aus dem Olympia in London ausgestrahlt wurde.
Der moderne Zirkus ist eine runde Halle mit einer Arena im Inneren, um die sich Sitzplätze für Zuschauer befinden. Es gibt auch Reise- und zusammenklappbare Zirkusse, sie werden „Zelte“ genannt. Obwohl der Zirkus seinen Ursprung in der Antike hat, verliert er auch heute noch nicht an Popularität, da die Sprache des Zirkus in allen Ländern ohne Übersetzung verständlich ist.
Der größte Zirkus der Welt befindet sich übrigens in Moskau am Wernadskij-Prospekt.
Der Zirkus ist bei allen so beliebt, mit ihm sind so viele Legenden und Magie verbunden, dass man kaum glauben kann, dass es ihn nicht schon immer gegeben hat. Aber es ist immer noch wahr.
Die ersten Zirkusse waren völlig anders als die, die wir alle kennen. Sie existierten im antiken Rom und gaben Auftritte in einer kleinen Arena namens „Großer Zirkus“ (lateinisch Circus Maximus). Das Wort Circus bedeutet „jeder Ring“ (lateinisch omnis ambitus vel gyrus), jede Figur ohne Ecken. Daher wurde der Ort, an dem in Italien nach griechischem Vorbild Pferderennen ausgetragen wurden und der in den meisten Fällen ein langgestrecktes Tal zwischen zwei Hügeln war, nach diesem Namen benannt, der sich nicht auf den Zweck des Ortes stützte, wie in Griechenland (siehe Hippodrom). ), sondern von seinen häufigsten Formen. Im Laufe der Zeit wurden nach dem Vorbild griechischer Hippodrome Bereiche für Pferderennen errichtet und es entstanden italienische Amphitheater, Plätze für Zuschauer, ein Start usw.; aber selbst zu einer Zeit, als der architektonische Typ des Zirkus vollständig entwickelt war, mussten sich einige Orte mit einem mehr oder weniger angepassten Bereich mit provisorischen Sitzplätzen für Zuschauer begnügen.
„Unter den ersten Königen war das Marsfeld der Ort der Zirkusvorstellungen; Dann, so heißt es in der Legende, baute Lucius Tarquinius Priscus mit der Beute aus dem Krieg mit den Lateinern im Tal zwischen den Hügeln Palatin und Aventin eine besondere Burg, die später als „Circus Maximus“ bekannt wurde. Tarquinius der Stolze veränderte den Standort dieses Bauwerks etwas und erhöhte die Anzahl der Zuschauerplätze darin, Julius Cäsar erweiterte es erheblich und Nero baute nach dem berühmten Brand, der Rom verwüstete, den Großen Zirkus erneut mit größerem Luxus als zuvor; Trajan und Domitian verbesserten es noch mehr, und sogar Konstantin und sein Sohn Constantius kümmerten sich um die Dekoration. Die letzten Rennen dort fanden im Jahr 549 statt.“<…>(Kuznetsov. E. 1971, S. 125) Somit existierte es sechs Jahrhunderte lang und seine Geschichte ist eng mit der Geschichte Roms und des Römischen Reiches verbunden. In Rom gab es neben dem „Großen Zirkus“ noch drei weitere: erbaut im Jahr 220 v. Chr. e. Westlich des Kapitols befindet sich der Zirkus des Flaminius, in dem Augustus dem Volk inmitten einer mit Wasser gefüllten Arena einst eine Krokodiljagd vorführte. Der Zirkus von Nero (auch Zirkus von Caligula und Vatikan genannt) begann unter Caligula mit dem Bau, wurde von Nero fertiggestellt und ist in der Geschichte vor allem als Ort grausamer Folter bekannt, der der zweite der genannten Kaiser Christen unterwarf; Der Zirkus von Caracalla wurde jedoch nicht unter ihm, sondern ein Jahrhundert später unter Romulus, dem Sohn des Maxentius, erbaut und ist für Archäologen insofern wichtig, als seine bedeutenden Ruinen hinter dem ehemaligen Capena-Tor (hinter der heutigen Porta San Sebastiano) liegen Es ist möglich, die Struktur römischer Zirkusse zu studieren. Aber die Überreste eines Zirkus, der 1823 in der Gegend des antiken Boville, einer kleinen Stadt am Fuße des Alban-Gebirges an der Via Appia, entdeckt wurde, können diesem Zweck noch besser dienen. Dieser Zirkus ist nicht groß, aber er ist ein typisches Beispiel römischer Zirkusse und relativ gut erhalten.
Die fast vollständige Zerstörung des Zirkus erklärt sich sowohl aus der Tatsache, dass die Sitzquadrate ein hervorragendes Baumaterial darstellten, als auch aus der Tatsache, dass nur ein kleinerer Teil des Zirkus aus Stein bestand. Dennoch können wir uns auch in diesem Zustand der Zerstörung eine Vorstellung sowohl vom Plan des Zirkus als auch von seiner Innenausstattung machen – ersteres sowohl auf der Grundlage von Ausgrabungen als auch insbesondere auf der Grundlage des berühmten Severovsky-Plans von Rom, von dem ein Stück mit dem Bild der südlichen Teile von C. Aus diesem Fragment und der Größe des Tals kann man ungefähr die Größe des Zirkus berechnen. Die Länge des Gebäudes beträgt 635 m, die Breite. 150 m, Arenalänge 590 m, Breite. 80 m. Das Hauptspektakel, das die Menschen in den Zirkus lockte, waren Wagenrennen (neben ihnen werden auch Rennen, athletische Kämpfe, Tierkämpfe und Übungen zu Pferd erwähnt). Ursprünglich waren diese Rennen fester Bestandteil der religiösen und politischen Feierlichkeiten, die die Rückkehr der Armee vom Feldzug begleiteten, was sich als Relikt im Pomp widerspiegelt, mit dem Wagenwettbewerbe eingeführt wurden. Diese Pompa hatte den Charakter eines Triumphs mit religiöser Prägung. Sie ging feierlich vom Kapitol durch das Forum und den Viehmarkt und betrat das Südtor des Zirkus. An der Spitze ging oder ritt (wenn es sich um einen Prätor oder Konsul handelte) der Magistrat, der die Spiele gab, in triumphaler Kleidung (einer mit Gold bestickten Toga und einer mit darauf aufgestickten Palmen verzierten Tunika) und hielt ein Zepter in der Hand verziert mit einem Adler; Hinter ihm stand oder ging ein Beamter, der ihn mit einer goldenen Eichenkrone krönte. Vor uns dröhnte Musik, und der Richter war von seinen Kindern, Freunden und Klienten umgeben. Hinter ihm trugen und trugen sie Statuen von Göttern und später von vergötterten Kaisern, beginnend mit Julius Cäsar. Nach diesem sehr langen und sehr pedantischen Einführungsakt begannen die Spiele. Gleichzeitig öffneten sich die Tore und normalerweise flogen vier, manchmal mehr (6, 8, 12, abhängig von der Anzahl der Parteien und Streitwagen jeder Partei) Streitwagen, paarweise oder häufiger zu viert, in die Arena. „Der Lauf begann rechts von der Markierung und endete an einer Stelle auf der gegenüberliegenden Seite, markiert durch eine weiße Linie, nachdem er sieben Mal um die Spina gelaufen war. Die Anzahl der Rassen war nicht immer gleich: Sie begann mit 10 oder 12, aber je weiter, desto mehr stieg ihre Zahl, und in der Kaiserzeit erreichte sie 24 oder sogar 36, die den ganzen Tag von morgens bis abends ausfüllten.<…>Jedes Rennen dauerte nicht länger als eine Viertelstunde. Während des Rennens nutzten die Fahrer alle möglichen Mittel, um den ersten Preis zu ergattern – Mittel, die zur Entwicklung eines speziellen technischen Rennjargons führten, in dem Inschriften zu Ehren oder zum Gedenken an die Fahrer geschrieben wurden. (Dominique Jeandot 1984, S. 30) Besonders gefährlich war das Umgehen der Markierungen, an denen jeder versuchte, in der Nähe zu bleiben; Alles hing von der Ausdauer und Beweglichkeit des ganz linken Pferdes ab. Unfälle kamen recht häufig vor; ein leichtes, hinten offenes Zweirad war mit der Kraft und Geschwindigkeit von vier Pferden leicht zu brechen; Fast alle Bilder von Pferderennen zeigen in einem bestimmten Muster, dass von vier konkurrierenden Streitwagen einer kaputt ist. Der Preis bestand aus einem Kranz und einer bestimmten Geldsumme; Es wurden sowohl der zweite als auch der dritte Preis vergeben.
Nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches verlor der Zirkus nach und nach seine Bedeutung als Hauptort der Volksunterhaltung. Der Enkel von Chlodwig I., Chilperich I., König der Franken, baute Zirkusse in Paris und Soissons, in denen dem Volk verschiedene Aufführungen geboten wurden. Letztere waren jedoch nicht besonders erfolgreich, weshalb die Zirkusse bald aufgegeben und aufgelöst wurden. Mysterienspiele und Theateraufführungen, die im Mittelalter eine bedeutende Entwicklung erlebten, untergruben die Bedeutung des Zirkus als öffentliche Unterhaltung völlig. Aus dem 12. Jahrhundert In Europa entstanden Reitschulen, die Reiter ausbildeten, aber auch Pferde für Militäreinsätze und Turniere ausbildeten. In diesen Schulen fanden Vorführungen statt, die nach und nach auf Stadtplätze verlegt wurden (wo unter Berücksichtigung der Besonderheiten der Arbeit mit Pferden spezielle Rundarenen errichtet wurden). Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts. In Europa wurden viele Meister des Pferdetrainings und des Figurenreitens berühmt, vor allem englische: S. Price, Johnson, Wiir, Samson usw. Zu ihren Truppen gehörten oft Seiltänzer, Akrobaten und Clowns. Im Jahr 1772 gründete der englische Unternehmer F. Astley gründete in London eine Reitschule, 1780 baute er die sogenannte. Astley Amphitheatre für Vorführungen von Reiten und Reittraining. Auch Clowns, Hundetrainer und Akrobaten traten hier auf und es wurden Märchenstücke aufgeführt, die auch Kampfszenen mit Reitern beinhalteten. Das Astley Amphitheatre ist der weltweit erste stationäre Zirkus im modernen Sinne.
„Der Zirkus moderner Art entstand erstmals Ende des 18. Jahrhunderts in Frankreich. Seine Schöpfer waren zwei englische Reiter, Astleys Vater und Sohn. 1774 bauten sie in Paris am Rande des Tempels eine runde Halle, die sie Zirkus nannten, und begannen hier Aufführungen zu geben, die aus verschiedenen Reit- und Akrobatikübungen bestanden.<…>Die Nachfolger der Astleys, die Italiener Franconi, bauten bald einen neuen Zirkus für 2.700 Personen. Sie führten auch Pantomimen in das Aufführungsprogramm ein, ebenso wie den Kampf wilder Tiere untereinander und mit Hunden. Von Paris aus verbreiteten sich Zirkusvorstellungen bald in ganz Europa.“ (Dominique Jeandot 1984, S.128)
E. Renz eröffnete 1851 in Düsseldorf und 1856 in Berlin einen stationären Zirkus. Ohne dabei auf die Reitvorführungen zu verzichten, stellte er Vertreter anderer Genres vor, die es zuvor auf Messeständen gegeben hatte. Hier entstand das Bild des Roten Clowns, eine Art Parodie auf einen Stadtbewohner, hauptsächlich Kleinbürger.
Viele Persönlichkeiten Zentralasiens folgten dem Weg von Renz – die Deutschen A. Schumann, E. Wulf, die Italiener G. Ciniselli, A. Salamonsky und andere.
Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Ausweitung der Zirkusgattungen ging weiter. Im Jahr 1859 demonstrierte der französische Athlet J. Leotard erstmals den Luftflug, der später zu einer der romantischsten Arten der Zirkuskunst wurde. Diese Zahl erforderte einen weiteren Umbau der Zirkusgebäude – den Bau einer Kugelkuppel, auf deren Rost Hebemechanismen und andere technische Geräte angebracht waren.
Im Jahr 1873 eröffnete der amerikanische Unternehmer T. Barnum einen großen Wanderzirkus („Supercircus“), bei dem die Aufführung gleichzeitig in drei Arenen stattfand. Barnum kombinierte den Zirkus mit einem Panoptikum und verschiedenen Attraktionen. 1886 wurde in Paris der Neue Zirkus gebaut, dessen Arena innerhalb weniger Minuten mit Wasser gefüllt war. Im Jahr 1887 eröffnete K. Hagenbeck, der größte Tierhändler und Besitzer eines Zoos in Hamburg, den sogenannten. Zoo-Zirkus Hier handelte es sich bei den meisten Aufführungen um Tiere, darunter auch Raubtiere. Die Nummern der Trainer erfreuten sich schnell großer Beliebtheit.
Ende des 19. Jahrhunderts gekennzeichnet durch einen Appell an den Sport (der auch die Grenzen der Zirkusgenres erweiterte) – Auftritte von Kraftmännern, Turnern an Ringen und Reckstangen, Jockeys, Jongleuren, Fahrrad-Eiskunstläufern und Rollschuhläufern. 1904 fand im St. Petersburger Ciniselli-Zirkus die erste Ringer-Weltmeisterschaft statt. Originale Darbietungen und ganze Genres wurden von japanischen, chinesischen, persischen und arabischen Künstlern in die Zirkusarena gebracht.
Aus dem Ende des 19. Jahrhunderts. Der bürgerliche Zirkus befand sich in einer kreativen Krise. Einige Zahlen zeichneten sich durch Unhöflichkeit, Vulgarität und oft offensichtliche Grausamkeit aus (zum Beispiel das sogenannte wilde Training). Pseudopatriotische Kriegspantomimen lobten die imperialistische Expansion. Clowns hatten ihren satirischen Schwerpunkt weitgehend verloren, basierten auf groben Witzen und Tricks, Zirkusse verloren Zuschauer und richteten sich größtenteils an Kinder. Dieser Prozess setzte sich bis ins 20. Jahrhundert fort. Auch in den 70ern. In den USA gibt es keine stationären Zirkusse; in Lateinamerika, Afrika oder Australien gibt es keine. In Westeuropa gibt es 5-6 stationäre Zirkusse, es gibt keine systematische Ausbildung von Zirkusartisten und es gibt keine speziellen Bildungseinrichtungen. Nach dem 2. Weltkrieg erlebte die Zirkuskunst der sozialistischen Länder eine bedeutende Entwicklung, Krankenhäuser wurden und werden gebaut wird in Ungarn, der Mongolei, Rumänien, Bulgarien und der DVRK gebaut; In der Tschechoslowakei, der Deutschen Demokratischen Republik und Jugoslawien gibt es große Wanderzirkusgruppen. Auch in der DDR, Ungarn und Bulgarien gibt es Schulen und Ateliers für Zirkuskunst.
